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Louvre e Met se unem para mostra o gênio inquieto de Delacroix

Retrospectiva Delacroix (1798–1863) reúne cerca de 180 trabalhos de todas as etapas da carreira de Eugène Delacroix. Foi organizado pelo parisiense Louvre (mostra em cartaz até 23/7) e pelo Metropolitan de Nova York, onde a mostra começa em 17/9/18. Artigo de Naomi Rea para o portal de arte www.Artnet.com publicado em 18/04/2018. +

“O gênio de Delacroix não é discutível, não é demonstrável, é algo que se sente”, escreveu o escritor francês Alexandre Dumas. O Louvre abriga atualmente uma retrospectiva em homenagem ao gênio do artista francês. A enorme retrospectiva de Eugène Delacroix reúne 180 trabalhos de todas as etapas de sua carreira. Foi organizado em parceria com o Metropolitan Museum of Art, de Nova York, onde será inaugurado em 17/9 (embora sem algumas de suas enormes pinturas, que só cabem confortavelmente no Louvre).
Regularmente na cena parisiense, Delacroix não teve uma retrospectiva de gala na cidade desde o centenário de sua morte, em 1963. Esta exposição, organizada por Sébastien Allard e Côme Fabre, do Louvre, e por Asher Miller, do Met, traça a obra de Delacroix. trajetória explosiva e mente inquieta. Como um jovem artista, ele abalou o salão anual de arte contemporânea no Louvre. Mais tarde, suas experiências com pinceladas pontiagudas parecem prefigurar o impressionismo. Até agora, os comentários da exposição foram ofegantes.
Jackie Wullschlager escreveu: “Se há uma exposição este ano pela qual vale a pena viajar é a pesquisa emocionante e espetacular do artista mais singular, contraditório e extremista do século XIX”.
Museus de todo o mundo, incluindo França, EUA, Reino Unido, Alemanha, Canadá, Bélgica e Hungria, contribuíram com empréstimos para o espetáculo ambicioso. Muitas das obras mais famosas e provocativas do artista estão incluídas, como “A Morte de Sardanapalo”, a cena de suicídio orgiástico que atraiu a indignação unânime quando foi mostrada no Salão de 1828. Também está em vista a celebração da Revolução de 1830 de Delacroix, “Liberdade Liderando o Povo” (1831), que ganhou nova influência política depois que o presidente francês Emmanuel Macron levou o príncipe herdeiro da Arábia Saudita, Mohammed Bin Salman, para sua visita à capital francesa.
A exposição também apresenta exemplos menos conhecidos do virtuosismo de Delacroix, incluindo litografias especializadas como “Macbeth e as Bruxas”.
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Artigo de Naomi Rea para o portal de arte www.Artnet.com publicado em 18/04/2018.

Palácio de Blenheim recebe mostra de Yves Klein no Reino Unido neste verão

Casa de campo do século 18 na Inglaterra será transformada por grande exposição da obra do falecido artista francês. Texto editado a partir de reportagem de Javier Pes publicada no portal internacional de arte www.artnet.com em 25/04/18. +

A mostra "Yves Klein no Palácio de Blenheim" será inaugurada em 18/7/18 e segue as exposições de verão na casa histórica com grandes artistas vivos, incluindo Jenny Holzer, Michelangelo Pistoletto e Ai Weiwei. Organizada pela Blenheim Art Foundation e pelo Arquivo Yves Klein, a exposição contará com cerca de 50 obras de Klein, tornando-se o maior espetáculo do trabalho do artista francês no Reino Unido.
Daniel Moquay, gerente do Arquivo Yves Klein, que também é marido da viúva de Klein, disse em um comunicado que apresentará o trabalho do artista “em um ambiente totalmente diferente das exposições habituais que organizamos”. inclui uma instalação de pigmento azul em grande escala e obras de sua famosa série: "Pinturas monocromáticas", "Pinturas de fogo", além de obras criadas com "modelos vivos", bem como esculturas de inspiração clássica revestidas no azul da assinatura do artista, IKB (International Klein Blue).
Michael Frahm, diretor da Blenheim Art Foundation, diz que Klein foi "uma escolha clara: seu trabalho radical mudou o curso da arte moderna na década de 1950 e início dos anos 1960, e sua prática permanece tão relevante hoje quanto durante sua vida meteórica. A exposição marca o que teria sido o 90º aniversário do artista francês.
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"Yves Klein no Palácio de Blenheim" vai de 18/7 a 7/10/18, no Blenheim Palace, em Oxfordshire, na Inglaterra.
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Texto editado a partir de reportagem de Javier Pes publicada no portal internacional de arte www.artnet.com em 25/04/18.
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Retrato de Yves Klein durante as filmagens do documentário de Peter Morley "The Heartbeat of France". Estúdio de Charles Wilp, Dusseldorf, Alemanha, fevereiro de 1961. Copyright Charles Wilp / BPK, Berlim.

Conheça os quatro indicados ao Turner Prize 2018

A seleção dos finalistas pode ser lida como um referendo sobre as tendências da arte contemporânea, já se fala muito sobre como os vencedores se concentram na política racial e empregam principalmente uma forma expandida de fazer documentário. Artigo de Tanner West para o portal de artes www.artnet.com publicado em 26/04/18. +

Foram anunciados os quatro candidatos ao aguardado e prestigioso Turner Prize, concedido anualmente a um artista britânico pelos mérios de uma exposição realizada no ano anterior. A seleção dos finalistas pode ser lida como um referendo sobre as tendências da arte contemporânea, já se fala muito sobre como os vencedores se concentram na política racial e empregam principalmente uma forma expandida de fazer documentário, com a escolha do vencedor que constitui uma declaração sobre o que a arte é importante agora.
É claro que o programa oficial do Turner Prize não será aberto até o final deste ano (de 25 de setembro de 2018 a 6 de janeiro de 2019), portanto, as respostas definitivas para essa conversa permanecem bem distantes.
Segue abaixo um resumo do que você precisa saber sobre cada um dos quatro candidatos
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Arquitetura Forense

Quem eles são?: O grupo foi fundado em 2010 pelo arquiteto Eyal Weizman e está baseado no Goldsmiths College, em Londres. Descreve-se não como um coletivo de arte, mas como uma “agência de pesquisa independente”, reunindo artistas, cineastas, programadores de computador e cientistas a serviço da criação de visualizações de alto impacto de informações complexas que podem ser apresentadas como evidência em casos judiciais relacionados a abusos dos direitos humanos.

Obra a conhecer: “77sqm_9: 26min” (2017).
O projeto, apresentado como um vídeo e um relatório que envolveu a construção de uma maquete de uma cena de crime dentro da Casa das Culturas do Mundo em Berlim, foi apresentado como parte da mostra Documenta 14. A apresentação foi parte de um esforço coletivo, com o trabalho sendo mostrado como parte de uma instalação da Sociedade dos Amigos de Halit, um grupo dedicado ao anti-racismo inspirado pelo assassinato em 2006 de Halit Yozgat, nascido na Turquia, por neonazistas. “77sqm_9: 26min” equivale a uma "contra-investigação" do depoimento de um agente de inteligência alemão que estava no local do assassinato de Yozgat, postulando a cumplicidade de forças afiliadas ao governo no crime. Recebeu ampla atenção da mídia e inspirou uma réplica do partido democrata-cristão. Nosso crítico chamou de “a peça mais importante da documenta 14.”

Naeem Mohaiemen

Quem ele é?: Nasceu em Londres (1969), cresceu em Bangladesh, mas é mais conhecido como um artista de Nova York (atualmente é candidato a PhD em Columbia). Seu show "Naeem Mohaiemen: Não Há Último Homem" acaba de fechar acordo com o MoMA PS1, de Nova York. Mohaiemen começou sua carreira como parte do Coletivo Visível (NY), 2001 a 2006, quando trabalhou para chamar atenção para os árabes e muçulmanos após o 11 de setembro.

Obra a conhecer: “Duas Reuniões e Um Funeral” (2017)
Co-encomendado pela Sharjah Art Foundation e pela Fundação Ford e também visto em Kassel durante a Documenta 14, o documentário experimental ofereceu uma reflexão absorvente sobre o destino do Movimento dos Não-Alinhados, um grupo de países não alinhados com União Soviética ou com os EUA durante a Guerra Fria. Refletindo sobre as promessas e ironias do movimento.

Charlotte Prodger
Quem ela é?: Prodger (1974) foi treinada no Goldsmiths College e na Glasgow School of Art, e atualmente trabalha em Glasgow. Seus filmes experimentais foram amplamente aclamados, pelos quais ela já recebeu o Prêmio Margaret Tait 2014 e o Prêmio Paul Hamlyn 2017. Ela recebeu sua indicação ao Turner Prize para um show de dois vídeos no Bergen Kunsthall, “Bridgit / Stoneymollan Trial” (o catálogo pode ser encontrado online).

Obra a conhecer: “Bridgit” (2016)
Uma espécie de diário em vídeo / colagem, o filme de 32 minutos alterna imagens da casa de Glasgow do Prodger e as escocesas e escarpadas Terras Altas da Escócia, e a passagem entre elas. É sobreposta com 10 narrativas faladas, misturando pensamentos pessoais e fragmentos de filosofia e reflexões sobre a arqueologia antiga. E como tudo é filmado em um telefone, pretende ser uma reflexão extensiva sobre a natureza mutável da percepção e como o corpo molda nossa compreensão do mundo. “A tradição de ‘permanentemente filmada’ de Michel Auder e Jonas Mekas é atualizada para a onipresença agora rotineiramente obtida via iPhone”, segundo a Frieze.


Luke Willis Thompson
Quem ele é?: Nascido em Auckland, na Nova Zelândia, em 1988 e agora vivendo em Londres, Thompson é conhecido por sua atuação na New Museum Triennial, em 2015.

Obra a conhecer: “Autoportrait” (2017)
Diamond Reynolds entrou nos olhos do público por uma razão trágica: ela transmitiu, via Facebook Live, o rescaldo da morte policial de seu parceiro Philando Castile, em Minnesota. Em 2016, Thompson entrou em contato com Reynolds e seu advogado e colaborou com ela em um filme, “Autoportrait”, filmado em preto e branco silencioso de 35mm inspirado no formato de Screen Tests de Andy Warhol. O retrato cinematográfico pretende oferecer uma contra-imagem ao momento horripilante que a expôs à atenção da mídia. Alex Quicho, escrevendo no ArtReview, argumentou que a apresentação meditativa, que o forçou a confrontar a imagem solitária e muda de Reynolds, foi “uma resposta silenciosa às demandas da mídia para realizar, articular e reencenar o trauma em troca de simpatia pública e crença.
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Artigo de Tanner West para o portal de artes www.artnet.com publicado em 26/04/18.

Bienal de Berlim 2018 divulga selecionados

10ª edição do evento, curado pela sul-africana Gabi Ngcobo, conta com a colaboração do curador paulistano Thiago de Paula Souza. Foram selecionados 46 artistas e coletivos. O título toma emprestado o título de uma canção de Tina Turner de 1985: “We Don’ t Need Another Hero”. +

A artista mineira Cinthia Marcelle, selecionada para a Bienal de Veneza em 2017, e a gaúcha Fabiana Faleiros são as brasileiras presentes na 10ª edição da Bienal de Berlim, que acontece em vários espaços da capital alemã entre 9/6 e 9/9/18. O evento tem curadoria da sul-africana Gabi Ngcobo, que conta ainda com a assistência dos curadores Thiago de Paula Souza (São Paulo), Nomaduma Rosa Masilela (Nova York), Serubiri Moses (Kampala) e Yvette Mutumba (Berlim), Gabi Ngcobo foi curadora-adjunta da 32ª Bienal de São Paulo, em 2016, esta curada pelo alemão hoje diretor da Pinacoteca do Estado de São Paulo Jochen Volz.
O tema da Bienal de Berlim, orçada em cerca R$ 15 milhões (3,5 milhões de euros). toma emprestado o título de uma canção de Tina Turner de 1985: “We Don’ t Need Another Hero”.

Veja abaixo a lista completa dos 46 artistas e coletivos selecionados:

Agnieszka Brzeżańska
Ana Mendieta
Basir Mahmood
Belkis Ayón
Cinthia Marcelle
Dineo Seshee Bopape
Elsa M’bala
Emma Wolukau-Wanambwa
Fabiana Faleiros
Firelei Báez
Gabisile Nkosi
Grada Kilomba
Heba Y. Amin
Herman Mbamba
Joanna Piotrowska
Johanna Unzueta
Julia Phillips
Keleketla! Library
Las Nietas de Nonó
Liz Johnson Artur
Lorena Gutiérrez Camejo
Lubaina Himid
Luke Willis Thompson
Lydia Hamann & Kaj Osteroth
Lynette Yiadom-Boakye
Mario Pfeifer
Mildred Thompson
Mimi Cherono Ng’ok
Minia Biabiany
Moshekwa Langa
Natasha A. Kelly
Okwui Okpokwasili
Oscar Murillo
Özlem Altın
Patricia Belli
Portia Zvavahera
Sam Samiee
Sara Haq
Simone Leigh
Sinethemba Twalo e Jabu Arnell
Sondra Perry
Tessa Mars
Thierry Oussou
Tony Cokes
Tony Cruz Pabón
Zuleikha Chaudhari

Bienal de SP assume riscos com profusão de mostras

Estruturada em torno de seleções de nomes históricos e contemporâneos encomendadas a sete artistas-curadores, a exposição talvez seja mesmo um arquipélago de afinidades, como quer o espanhol Gabriel Pérez-Barreiro, o homem no comando desta 33ª encarnação da mostra marcada para setembro. Nesse conjunto de recortes menores, cada ilha também opera como espelho narcísico ou distorcido de seu regente. São operações da chamada crítica institucional, um ataque ao sistema de museus e do mercado que orienta o mundinho da arte contemporânea. Matéria de Silas Martí publicada originalmente no jornal “Folha de São Paulo, em 24/04/18. +

Universos díspares podem entrar em colisão na próxima Bienal de São Paulo.

Estruturada em torno de seleções de nomes históricos e contemporâneos encomendadas a sete artistas-curadores, a exposição talvez seja mesmo um arquipélago de afinidades, como quer o espanhol Gabriel Pérez-Barreiro, o homem no comando desta 33ª encarnação da mostra marcada para setembro.

Nesse conjunto de recortes menores, cada ilha também opera como espelho narcísico ou distorcido de seu regente.

Há os copiadores e cínicos reunidos pelo uruguaio Alejandro Cesarco, entre eles Sturtevant, que passou a vida replicando obras de medalhões da história como Andy Warhol, Jasper Johns e Joseph Beuys, e Louise Lawler, que fotografa obras de famosos em galerias de museus e leilões.

São operações da chamada crítica institucional, um ataque ao sistema de museus e do mercado que orienta o mundinho da arte contemporânea.

Mas a seleção de Cesarco, ele mesmo também conhecido por operações de deslocamento e apropriação, como o roteiro do clássico “Alphaville”, de Jean-Luc Godard, que reproduziu em outdoors no bairro nova-iorquino do Queens, tem ainda um dos nomes mais afiados da nova geração desse gênero artístico que defende a autodestruição.

O americano Cameron Rowland vai além da bolha da arte ao atacar outro mercado atravessado por bastidores sinistros, trazendo para a galeria o mobiliário fabricado por detentos das prisões americanas em jornadas de trabalho forçado e até apólices de seguro cobrindo a morte de escravos que definharam nas antigas plantações do sul de seu país.

Numa ala mais lúdica, a argentina Claudia Fontes, que representou seu país na última Bienal de Veneza com a escultura de um enorme cavalo branco suspenso do teto como se flagrado no meio de um salto, escalou cineastas e escultores que também tentam fixar no espaço formas escorregadias e movediças.

Entre eles estão a islandesa Katrín Sigurdardóttir, que constrói maquetes distorcidas de espaços onde já viveu, trocando a memória arquitetônica pela afetiva, e a boliviana Elba Bairon, que revisita o repertório da estatuária europeia clássica, mas substitui o mármore pela pasta de papel, criando volumes liquefeitos.

Uma interpretação mais visceral da arquitetura, que extravasa os limites rígidos de plantas e pranchetas, orienta a seleção da americana Wura-Natasha Ogunji, que escalou só artistas mulheres para reagir com o corpo às formas de opressão, conforto e conflito que rondam as construções.

Nesse ponto, artistas como a francesa Mame-Diarra Niang, a americana Nicole Vlado e a libanesa Youmna Chlala parecem estar em sintonia com os idílios enganosos retratados pelos nomes de outro recorte.

Mamma Andersson, uma pintora sueca conhecida por plasmar em seus quadros interiores burgueses prontos a se rebelar contra habitantes incautos, construiu a mais soturna e sedutora das seleções.

Lá estão os vilarejos habitados por estranhas garotas vitorianas hermafroditas dos desenhos do americano Henry Darger, os prédios impenetráveis das pinturas de Dick Bengtsson e os filmes estonteantes, que fundem tinta e película, de Gunvor Nelson.

Mais famoso dos artistas brasileiros já confirmados na mostra, Waltercio Caldas faz de seu recorte um espelho de suas influências, com peças do escultor espanhol Jorge Oteiza, um artífice das formas geométricas vazadas, além do art déco de toada indigenista de Vicente do Rego Monteiro.

Sofia Borges, jovem fotógrafa agora em sua segunda Bienal de São Paulo, arregimenta um time de mulheres, entre elas a britânica Sarah Lucas, em torno de uma reflexão sobre a mitologia trágica.

É de encher os olhos, mas resta ver se essa profusão de mostras menores não corre o risco de se tornar indigesta.
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Matéria de Sílas Martí publicada originalmente no jornal “Folha de São Paulo, em 24/04/18.

Artistas-curadores da 33ª Bienal de São Paulo anunciam propostas expositivas

As sete mostras coletivas concebidas por eles irão compor o evento ao lado dos doze projetos individuais selecionados pelo curador geral Gabriel Pérez-Barreiro, divulgados previamente, em um modelo que dá voz aos artistas e valoriza suas interpretações sobre seus contextos de produção. +

Apontado pela Fundação Bienal de São Paulo para assumir a curadoria da 33ª Bienal de São Paulo – Afinidades afetivas por sua proposta de organizar o evento a partir de um “sistema operacional” alternativo, Gabriel Pérez-Barreiro concebe uma Bienal que privilegia o olhar dos artistas sobre seus próprios contextos criativos e evita a realização de uma grande exposição temática em favor de experiências curatoriais múltiplas.

Estas incluem, além dos doze projetos individuais já divulgados, mostras coletivas organizadas por sete artistas-curadores: Alejandro Cesarco (Uruguai/EUA, 1975), Antonio Ballester Moreno (Espanha, 1977), Claudia Fontes (Argentina, 1964), Mamma Andersson (Suécia, 1962), Sofia Borges (Brasil, 1984), Waltercio Caldas (Brasil, 1946) e Wura-Natasha Ogunji (EUA/Nigéria, 1970).

Assim como os projetos individuais não configuram juntos uma exposição coletiva no sentido tradicional e não são ligados por qualquer estrutura narrativa ou temática, as propostas dos artistas-curadores são completamente independentes umas das outras. “Os sete artistas-curadores têm trabalhado com total autonomia na concepção de suas mostras, tanto em relação uns aos outros quanto à curadoria geral. As únicas limitações impostas a eles foram de ordem prática, relativas a orçamento e ao uso do Pavilhão da Bienal”, explica Pérez-Barreiro.

Guiados exclusivamente pelo conceito de afinidades afetivas e pelo fato de que obras de sua autoria também devem integrar sua curadoria, cada um dos artistas-curadores respondeu a seu modo ao convite de Pérez-Barreiro, adotando diferentes metodologias e estratégias curatoriais. “Enquanto alguns adotaram estratégias mais museológicas e históricas, realizando curadorias de obras, outros propuseram exposições com trabalhos exclusivamente comissionados, estabelecendo uma espécie de curadoria coletiva em um processo horizontal de desenvolvimento de pesquisa artística. Pode-se entender como sete diferentes exemplos de metodologia curatorial”, acrescenta.

Os projetos
A partir de seu interesse em questões como repetição, narrativa e tradução, Alejandro Cesarco realiza uma curadoria de obras de artistas que compartilham de suas inquietações conceituais e estéticas. Intitulada Aos nossos pais, “a mostra propõe questionamentos acerca de como o passado (a história) ao mesmo tempo possibilita e frustra potencialidades e de como ele pode ser reescrito pelo trabalho do artista, gerador de diferenças a partir de repetições”, explica. Além de Cesarco, participam da mostra artistas de três diferentes gerações, entre os quais Sturtevant (EUA, 1924 – França, 2014), Louise Lawler (EUA, 1947) e Cameron Rowland (EUA, 1988). “Dedicar esta exposição a uma relação primária (biológica ou adotiva, literal ou metafórica) é construir uma genealogia e uma tentativa de aproximação da fonte central de nossas interpretações, métodos, inibições, possibilidades e expectativas”.

Antonio Ballester Moreno aborda sua curadoria na 33ª Bienal como forma de contextualizar um universo baseado na relação íntima entre biologia e cultura, com referências à história da abstração e sua interação com natureza, pedagogia e espiritualidade. Para tanto, ele relaciona a produção de filósofos, cientistas e artistas: “somos todos criadores de nosso próprio mundo, mas entendo que tamanha variedade de linguagens nos separou da noção do que nos é comum, então esta proposta salienta o estudo de nossas origens, sejam elas relacionadas a aspectos naturais, sociais ou subjetivos — os três eixos que organizam a exposição”, afirma Ballester Moreno.

Intitulada sentido/comum, a mostra abarca desde brinquedos educativos das vanguardas históricas e obras da Escuela de Vallecas (um movimento espanhol de vanguarda da década de 1930 próximo ao surrealismo) à presença de artistas contemporâneos. Dentre os participantes, encontram-se o filósofo e pedagogo Friedrich Fröbel (Alemanha, 1782-1852); Andrea Büttner (Alemanha, 1972); Mark Dion (EUA, 1961), que participa da Bienal com um projeto comissionado; e Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (Espanha, 1979), integrante do coletivo Atenta que pesquisa práticas de atenção no campo da arte. Além de sua participação na exposição de Ballester Moreno, Paniagua contribuiu também com a publicação educativa da 33ª Bienal, Convite à atenção, com um texto inédito de sua autoria.

Para sua exposição intitulada O pássaro lento, Claudia Fontes parte de uma metanarrativa: um livro fictício homônimo cujo conteúdo é desconhecido, salvo por alguns fragmentos e por seus vestígios materiais. Fontes e os artistas convidados apresentam trabalhos que ativam as aproximações entre artes visuais, literatura e tradução através de experiências que propõem uma temporalidade expandida, alternativa ao fetiche moderno da velocidade. “A experiência de velocidade e lentidão são experiências políticas enraizadas no corpo. Ambas influenciam nossos entendimentos de espaço, distância e possibilidade. Há mais de um século, nossa espécie vem sendo treinada desde a infância para desprezar a vagarosidade e desejar rapidez. Como resultado, todos nós agora temos dificuldade de imaginar outros meios de estar consigo mesmo e com os outros”, afirma Fontes.

Em um processo curatorial horizontal e colaborativo, todos os participantes, à exceção de Roderick Hietbrink (Holanda, 1975), desenvolvem obras comissionadas para a ocasião: Ben Rivers (UK, 1972), Daniel Bozhkov (Bulgária, 1959), Elba Bairon (Bolívia, 1947), Katrín Sigurdardóttir (Islândia/EUA, 1967), Pablo Martín Ruiz (Argentina, 1964), Paola Sferco (Argentina, 1974), Sebastián Castagna (Argentina, 1965) e Žilvinas Landzbergas (Lituânia, 1979).

Para sua exposição, Stargazer II [Mira-estrela II], Mamma Andersson reúne um grupo de artistas que têm inspirado e nutrido sua produção como pintora. A seleção inclui uma ampla gama de referências, como ícones russos do século 15, os “outsiders” Henry Darger (EUA, 1892-1973) e Dick Bengtsson (Suécia, 1936¬-1989); e artistas contemporâneos como a cineasta Gunvor Nelson (Suécia, 1931) e o piloto de caça e artista sonoro Åke Hodell (Suécia, 1919-2000), entre outros. Em comum, todos os participantes compartilham o interesse pela figuração expressiva e pelo corpo humano. “Estou interessada em artistas que trabalham com a melancolia e a introspecção como um modo de vida e uma forma de sobrevivência”, afirma Andersson. A exposição inclui também uma quantidade significativa de pinturas de Andersson, estabelecendo um diálogo vibrante entre sua obra e suas inspirações artísticas.
A curadoria de Sofia Borges, A infinita história das coisas ou o fim da tragédia do um, parte de interpretações filosóficas sobre a tragédia grega para mergulhar em uma colagem de referências mitológicas. Sua proposta configura-se como um espaço ativo de investigação acerca dos limites da representação e da impossibilidade da linguagem enquanto instrumento de mediação do real. “Eu passei anos procurando, através da imagem, desvendar o estado de representação das coisas com o meu trabalho, até que entendi se tratar de uma questão sem solução, visto que ela é na verdade o problema do significado. A linguagem é em si trágica, porque ambígua, e não se pode usar uma matéria para falar de outra”, explica.

Sobre esta base conceitual, o projeto expositivo se constrói a partir de um modelo curatorial misto em que a seleção de peças específicas é acompanhada por convites a certos artistas para que desenvolvam trabalhos comissionados. Uma das particularidades da proposta — que inclui obras de Jennifer Tee (Holanda, 1973), Leda Catunda (Brasil, 1961), Sarah Lucas (UK, 1962) e Tal Isaac Hadad (França, 1976), entre outros — é encarar a exposição como algo que se dá não apenas no espaço, mas também no tempo. Desta forma, a mostra será ativada, ao longo dos três meses de duração da Bienal por um programa de experimentações propostas pela artista-curadora a partir da interação entre as obras, os artistas e outros convidados.

Waltercio Caldas, que sempre considerou a história da arte como material de trabalho, projeta um espaço em que obras de diversos artistas são confrontadas com trabalhos de sua autoria. “Visto que a produção de um artista trata de inúmeras questões que variam ao longo do tempo, escolhi obras que desviam do que mais se conhece de cada um deles e se destacam por seu valor e especificidade. O resultado da relação entre as peças escolhidas passou a ser o principal interesse desta seleção”, explica.

Com sua mostra, Caldas propõe uma reflexão sobre a poética, a natureza das formas e das ideias e suas implicações na atividade artística desde o final do século 19. “Procurei, através da tensão entre obras muito diversas, as surpresas esclarecedoras que resultam destes confrontos”, comenta. A partir de uma visão desafiadora do artista sobre sua própria obra e dos enfrentamentos muitas vezes inusitados — como entre trabalhos de Victor Hugo (FRA, 1802-1885), Jorge Oteiza (ESP, 1908-2003) e Vicente do Rego Monteiro (BRA, 1899-1970) — abrem-se novas possibilidades de leitura para a arte.

Para seu projeto expositivo intitulado sempre, nunca, composto exclusivamente por obras comissionadas, Wura-Natasha Ogunji convidou as artistas Lhola Amira (África do Sul, 1984), Mame-Diarra Niang (França, 1982), Nicole Vlado (EUA, 1980), ruby onyinyechi amanze (Nigéria, 1982) e Youmna Chlala (Líbano, 1974) para criar, assim como ela, novos trabalhos em um processo curatorial colaborativo e horizontal. A produção dessas seis artistas “concilia aspectos íntimos (como corpo, memória e gesto) a épicos (arquitetura, história, nação)”, explica Ogunji. “Em diálogo aberto e contínuo, nossos projetos individuais abarcam práticas e linguagens distintas, que convergem em ideias e questões cruciais para a experimentação, a liberdade e o processo criativo”.
O trabalho de cada uma dessas artistas é afetado por suas histórias individuais e pelas complexas relações que mantêm com suas terras, nações e territórios. “Não são suas origens ou nacionalidades que são reveladoras, mas sim o fato de que suas obras quebram as narrativas hegemônicas e abraçam interrupções como aberturas necessárias”, complementa a artista-curadora.

Expografia
A autonomia dos projetos se estende ao desenho expográfico, que varia entre as diferentes exposições. Elas compartilham, no entanto, um interesse por criar experiências que dêem forma às expectativas de visitação do Pavilhão da Bienal. A expografia da 33ª Bienal, concebida pelo arquiteto Alvaro Razuk, prevê a criação de áreas livres para descanso e reflexão entre as diferentes proposições expositivas, em consonância com a proposta de Pérez-Barreiro de criação de espaços favoráveis a desacelerar, observar e compartilhar experiências.

Publicações
O projeto editorial da 33ª Bienal serve como uma plataforma que expande a atuação dos artistas da mostra, uma vez que permite aos mesmos explorarem o formato de livro de artista como complementar à exposição. O catálogo da 33ª Bienal reúne um conjunto de dezenove publicações, no formato de brochuras e pôsteres, desenvolvidas em colaboração com a equipe da Fundação Bienal e a consultora editorial Fabiana Werneck.

Com previsão de lançamento e circulação nas primeiras semanas de setembro, uma publicação complementar apresenta registros fotográficos da exposição, um ensaio visual do fotógrafo Mauro Restiffe, textos e entrevistas. Na peça, os artistas-curadores comentam o desenvolvimento de suas seleções para a edição e como seus próprios trabalhos responderam à proposta.

Residências artísticas
Por meio da parceria com o Programa Residência Artística FAAP, estabelecida a partir da 27ª Bienal (2006) e renovada a cada edição, cinco artistas da 33ª Bienal estarão em residência em São Paulo para desenvolver seus projetos na mostra: Lhola Amira (África do Sul, 1984), Luiza Crosman (Brasil, 1987), Mame-Diarra Niang (França, 1982), Tal Isaac Hadad (França, 1976) e Tamar Guimarães (Brasil, 1967).

Credenciamento para profissionais e imprensa
Continua aberto o credenciamento para profissionais e imprensa no portal da Fundação Bienal de São Paulo. O preview para imprensa acontece no dia 4 de setembro e, nos dias 5 e 6, a 33ª Bienal será aberta para convidados e profissionais do meio. Entre os dias 21 e 23 de setembro, pela primeira vez a Fundação Bienal realizará o International Weekend, para profissionais estrangeiros.

A Fundação por trás da 33ª Bienal
A proposta apresentada por Gabriel Pérez-Barreiro e selecionada pela Fundação Bienal para a 33ª edição da mostra encontra ressonância não apenas na vocação própria da instituição mas também no desafio de se manter contemporânea em pleno século 21. Ao questionar modelos estabelecidos e repensar a própria forma de se fazer exposições de arte de grande escala, o projeto vai ao encontro da atividade cotidiana da Fundação Bienal, que consiste em olhar sempre para o novo sem perder de vista suas mais de seis décadas de história.

33ª Bienal de São Paulo – Afinidades afetivas
de 7 de setembro a 9 de dezembro de 2018
Pavilhão Ciccillo Matarazzo, Parque Ibirapuera
www.bienal.org.br

Preview para imprensa: 4 de setembro/2018
Preview para imprensa, profissionais e convidados: 5 e 6 de setembro/2018
International Weekend: 21 a 23 de setembro/2018
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Texto de Luciana Pareja, Mariana Ribeiro e Roberta Montanari da assessoria de imprensa da Bienal de São Paulo, “Conteúdo Net”, em 25/04/18.

Historiador revê passado colonialista da National Geographic

O historiador afro-americano John Edwin Mason, especialista em raça e fotografia, falou com o jornalista Ben Davis sobre o pedido para ele investigar o arquivo da National Geographic e avaliar a conturbada história da famosa revista nesta edição de abril de 2018. A pesquisa avalia o contexto histórico que moldou a National Geographic e como os movimentos sociais da década de 1960, principalmente na África, transformaram lentamente sua cobertura - assim como, pouco a pouco, os movimentos sociais do presente parecem estar remodelando sua cobertura nos dias de hoje. Matéria de Ben Davis publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 21/03/18. +

Depois de mais de um século cobrindo o esplendor múltiplo da Terra e diversos povos através de olhos distintamente ocidentais, deixando-os abertos a acusações de colonialismo (se não mesmo racismo), a National Geographic agora virou suas lentes sobre si mesma.

A edição especial de abril da revista é dedicada a examinar o tema da raça de vários ângulos: teorias da construção social da raça, perfil racial dos motoristas negros, o renascimento atual das faculdades históricas negras, as crescentes tensões desencadeadas pelas mudanças demográficas no país, e até mesmo o projeto da artista brasileira Angélica Dass "Humanae", que combina mais de 4.000 pessoas de todo o mundo com diferentes amostras de cores Pantone. No entanto, a carta da editora da National Geographic, Susan Goldberg, apresentando a questão, causou o maior impacto, com sua admissão brusca: “Por décadas, nossa cobertura foi racista. Para se elevar acima do nosso passado, devemos reconhecê-lo”.

Dado o status da National Geographic como um ícone do gosto mainstream e seu papel na formação de como as gerações viram o mundo, o mea culpa da revista tem sido uma espécie de evento. Na última semana, a carta de Goldberg ganhou ampla atenção da mídia e foi debatida nas mídias sociais - o que faz sentido, considerando que a revista de 130 anos também afirma ser a maior marca de mídia social do mundo, ostentando 350 milhões de seguidores várias plataformas e, portanto, uma enorme capacidade de moldar a conversação pública.

O auto-exame da National Geographic coincide com uma tendência mais ampla de legado das propriedades da mídia em reexaminar seus pontos cegos históricos, incluindo o recente projeto do New York Times de escrever obituários para mulheres negligenciadas pelo Paper of Record em seu tempo. E embora a “edição racial” não tenha sido sem críticas - particularmente de sua reportagem de capa, que usa gêmeos fraternos que têm diferentes cores de pele para mostrar que a raça é uma construção social - a enorme atenção que o gesto atraiu, significa que é provável que inspire gestos mais semelhantes.

A pesquisa que formou a base da carta de Goldberg foi feita por John Edwin Mason, que ensina história africana e história da fotografia na Universidade da Virgínia, na Faculdade e Escola de Pós-Graduação de Artes e Ciências. Especialista na cultura da África do Sul e no fotógrafo de direitos civis Gordon Parks, Mason recebeu o mandato de investigar o arquivo da National Geographic para avaliar a história da revista em antecipação à edição de abril.
Eu conversei com Mason sobre seu processo de pesquisa, o contexto histórico que moldou a National Geographic e como os movimentos sociais da década de 1960, transformaram lentamente sua cobertura - assim como, pouco a pouco, os movimentos sociais do presente parecem estar remodelando sua cobertura hoje.
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Vamos começar com a questão de por que você acha que isso foi tão importante.

Quando Susan Goldbergo me pediu para escrever esse artigo, e conversou comigo sobre essa problemática racial, eu já imaginei que receberia muita atenção. Tem pessoas muito importantes trabalhando nisso. Conheço alguns dos fotógrafos, e eles são fantásticos. E eu também sabia essas são pessoas que não iriam se segurar - Elas segurariam o artigo antes de se segurarem! “Essa questão vai trazer movimentos” - esse foi meu pensamento.

Então eu saí e fiz a pesquisa, e a edição foi publicada - e o foco foi inteiramente na carta de Susan Goldberg. Não é sobre a questão em si, que eu acho que merece um pouco mais de atenção do que está sendo recebida.

E fiquei surpreso. Eu não contei o quão as pessoas investem emocionalmente na National Geographic. Eu acho que é porque muitos de nós, mesmo aqueles de nós que cresceram afro-americanos como eu, experimentaram esta revista como parte de nossas infâncias. Nós a consumimos de maneira muito acrítica.

A National Geographic levou-me a lugares onde eu nunca estive e provavelmente algum dia irei; isso me mostrou coisas estranhas ao redor do mundo. Quer dizer, eu me tornei um historiador da África. A National Geographic teve algum tipo de papel nisso? Provavelmente. Eu queria ir a alguns desses lugares que vi na revista e conhecer essas pessoas.

Parte desse investimento popular tem a ver com o poder de sua fotografia, certo?

Eu acho que é mais que isso. Você sabe, quando eu estava crescendo, na metade até o final dos anos 60 e nos anos 70, a fotografia estava boa - mas ficou muito, muito melhor depois. O verdadeiro fascínio era o que elas estavam mostrando.
Eu acredito que foi a primeira revista a ser colorida.

Com certeza, a fotografia que sempre vendeu a revista. Eles já usavam impressões coloridas muito no início, mesmo quando era muito caro. Antes mesmo da Segunda Guerra Mundial, antes do Kodachrome, a National Geographic já era deslumbrante, como a Life, porém melhor, no sentido da gramatura do papel usado e na reprodução das fotografias. E seres humanos são visuais. Nós realmente gostamos muito de olhar.

Qual foi o resumo que você recebeu?

Foi realmente aberto: entrei em nossos arquivos, encontrei coisas que têm a ver com a forma como a revista apresentava raça, pessoas de cor, Ásia, África, América Latina, para seus leitores; depois voltei e disse a Susan Goldberg, a editora, sobre isso.

E olhe, sou historiador. Quando uma instituição privada como a National Geographic diz: "Venha visitar nossos arquivos", essa é a melhor coisa.

Mas ir aos arquivos deles era importante para a pesquisa, porque eu queria ver as fotografias inéditas. Como você sabe, quando um fotógrafo sai em missão, ele ou ela vai voltar com muitas, mas muitas fotos que nunca serão publicadas. Olhar para os slides ou para as folhas de contato ou para as impressões do trabalho permite que você perceba o que o fotógrafo estava vendo, o que o fotógrafo não estava vendo, o que o fotógrafo estava tentando fazer acontecer - porque essa época anterior ao jornalismo ou a ética documental foi totalmente formada, muitas fotografias foram encenadas. Você tem uma noção de como uma cena visual foi montada.

Então eu realmente apreciei o tempo nos arquivos. Mas não consegui passar todo o meu tempo em Washington, DC. Eu tive aulas para ensinar e outras redações para fazer, e assim a maior parte da pesquisa que fiz foi na biblioteca UVA, onde, em volumes encadernados, temos toda e qualquer edição da National Geographic desde que começou a publicar na década de 1880.

Eu não consegui ver todo esse material. Então eu disse, ok, eu vou fuçar no período pré-Segunda Guerra Mundial - um pouco. Revirar é um termo informal demais. Eu leio sistematicamente anos selecionados.

Você pegou uma amostra.

Sim. Mas eu estava realmente mais interessado no período pós-Segunda Guerra Mundial, por duas razões. A primeira é que os americanos vivos foram moldados pelas questões do pós-Segunda Guerra Mundial, e o segundo é que a era pós-Segunda Guerra Mundial é quando a América surge como a superpotência mundial dominante. É a era do movimento dos direitos civis, que provavelmente teria um impacto na forma como a revista retratava pessoas de cor. É também a época da descolonização na África e na Ásia.

Esses fatores teriam que moldar a maneira como a revista mostra o mundo - e funcionaram, embora não exatamente da maneira que eu esperava.

Para o público em geral, eu diria que o termo “fotografia da National Geographic” já é uma espécie de atalho para um certo estilo de fotografia etnográfica popular. O que foi que você achou que te surpreendeu?

A National Geographic, de várias maneiras, define o padrão para o que eu chamo de fotografia de reportagem. Isso tem sido cada vez mais o caso desde os anos 1970, quando houve um aumento real na qualidade da fotografia que aparece na revista. Mas sempre houve um estilo geral da National Geographic Photography: a fotografia da revista raramente tem uma vantagem. A fotografia da National Geographic raramente desafia o espectador.

Você quer dizer que isso não dá aos leitores algo que eles não esperariam de um lugar?

Coisas que eles não esperariam em termos de exotismo ou estranheza são ok. Mas coisas que eles não esperariam em um sentido sociológico ou político, nem tanto.

O que eu encontrei foi uma ausência que eu não esperava ser tão total. Eu estava olhando intensamente para o período de descolonização. O que eu vi quase totalmente ausente foi qualquer sentimento de que as lutas anticoloniais estavam se construindo e que o sentimento nacionalista estava crescendo na Ásia e na África. Quase não vi sinais de africanos cosmopolitas modernos ou da classe trabalhadora ou dos intelectuais que dirigiam esses movimentos. Vi poucos sinais de urbanizar a África. Vi poucos sinais de africanos fazendo conexões entre si no continente ou procurando movimentos anticoloniais e antirracistas em todo o mundo.

Qualquer um que lesse a National Geographic teria ficado chocado com o surgimento de novas nações e totalmente despreparado para entender por que isso estava acontecendo. Eu esperava que a National Geographic fosse ambivalente. Eu não esperava que a National Geographic ignorasse esses movimentos quase completamente. Isso realmente foi uma surpresa.

Essas lutas eram uma parte muito importante da conversa sobre Direitos Civis nos EUA: Martin Luther King indo para a África, falando sobre sua transformação em seu sermão “O Nascimento de uma Nova Nação”.

Até mesmo Richard Nixon estava presente no nascimento de Gana! As elites da política externa estavam muito preocupadas em cortejar essas novas nações. Era uma relação complicada, porque a Grã-Bretanha e a França, as nações colonizadoras, também eram nossos aliados. No entanto, outras mídias mostraram uma forte consciência de que essas coisas estavam acontecendo.

Eu conheço muito, muito bem a revista Life, porque estou escrevendo um livro sobre Gordon Parks e também um artigo sobre a representação da Life na África. A Life prestou muita atenção. Nem tudo é bom, mas também não é tão ruim assim.
Eu estava lendo o seu ensaio sobre a Life, onde você fala sobre como, em face das lutas da Guerra Fria e dos Direitos Civis, o tom da revista refletia em uma espécie de compromisso.

Havia uma ambivalência desconfortável na Life. Afinal, a revista era quase inteiramente produzida por americanos brancos que haviam crescido e se sentiam confortáveis com uma sociedade muito segregada, e muitos tinham suas dúvidas sobre a aptidão dos afro-americanos ou dos povos africanos e asiáticos para o autogoverno e o autogoverno.

Por outro lado, a Life também estava cheia de pessoas que se sentiam desconfortáveis com a segregação e que acreditavam que os afro-americanos tinham conseguido um acordo bruto e que talvez a colonização tivesse seus problemas. Há uma razão pela qual a revista contratou Gordon Parks, certo? Não contratou dois Gordon Parks. Ele foi o único afro-americano na equipe editorial por muito tempo. Mas pelo menos ele estava lá.

Então a Life era profundamente ambivalente. Com a National Geographic, você não percebe essa ambivalência.

De fato, você vê o abraço entusiástico do colonialismo europeu e americano, porque, a propósito, também colonizamos as Filipinas, Porto Rico e Havaí e todo o território continental dos Estados Unidos. A National Geographic estava muito à vontade com a noção de senso comum de que era de direito o homem branco dominar o mundo, e que o domínio das potências norte-americanas e ocidentais europeias simplesmente faziam sentido. Esse estado de coisas era visto como o funcionamento natural das leis do desenvolvimento humano que colocavam os brancos no topo, e especialmente europeus e americanos ocidentais, que tinham a responsabilidade, na melhor das hipóteses, de tirar as massas asiáticas ou africanas da escuridão à luz da civilização - porque é claro que esses povos não podiam fazer isso sozinhos. Eles precisavam de ajuda e orientação.

Assim, a National Geographic é menos ambivalente que a Life, mas na verdade menos ambivalente na direção de se sentir mais confortável com o colonialismo?

Exatamente. Eles abraçaram a visão colonialista do mundo até bem depois da Segunda Guerra Mundial. Acho que o que estava acontecendo nos anos 50 é que eles estavam tapando os ouvidos e fechando os olhos. Eles não querem saber sobre a colonização e não querem saber sobre movimentos nacionalistas, como uma criança colocando os dedos nos ouvidos e dizendo: "La la la la la".

Você vê isso como uma política editorial consciente ou um viés inconsciente, ou uma mistura dos dois?
É um misto. Faz bastante diferença que a National Geographic chegou em um momento onde os EUA estavam se tornando uma potência global. Começa no final do século 19, a era da América construindo um império ultramarino. É também a época em que as elites na Europa Ocidental e na América do Norte dividiram o mundo no mundo branco e nas “raças mais escuras”.

Todos os tipos de relações exteriores eram racializadas; eles só deixam de ser assim com a chegada da Guerra Fria.
As pessoas que publicaram na National Geographic estavam intimamente ligadas ao mundo das elites corporativas e políticas. A National Geographic e seus editores cortejavam presidentes, vice-presidentes, juízes da Suprema Corte, membros do Congresso e às vezes se relacionavam com eles.

Eles também eram fabulosamente ricos. O editor de longa data da National Geographic [Gilbert Hovey Grosvenor, editor de 1899 a 1954] foi o genro de Alexander Graham Bell. Graham Bell tinha feito potes e potes de dinheiro através de seu monopólio de telefone. Outro editor de longa data [Melville Bell Grosvenor, editor de 1957-1967] era o filho do genro. Então, é quase uma preocupação familiar há muito tempo, e eles eram muito ricos e muito elitistas e muito confortáveis nesses mundos.

Parte da mudança na National Geographic que começa no final dos anos 60 início dos anos 70 é devido a uma mudança editorial. Apesar disso, parte disso foi também que o movimento dos Direitos Civis e a descolonização finalmente estavam se aproximando.

Susan Goldberg menciona as duas histórias sobre a África do Sul, uma de 1977 e outra de 1962, na qual o Apartheid não é mencionado.

O artigo de 1962 é assustador de muitas maneiras. Vê a África do Sul apenas através dos olhos dos sul-africanos brancos; não é de modo algum crítico do Apartheid, notoriamente uma das formas mais brutais de supremacia branca que o mundo já conheceu; e vem mais ou menos logo após o Massacre de Sharpeville, onde 69 pessoas em um pacífico protesto não violento foram baleadas e mortas pela polícia, e muitas outras ficaram feridas. Chega num momento em que a luta contra o Apartheid na África do Sul é uma notícia global. O nome de Nelson Mandela é bem conhecido. O Congresso Nacional Africano é um movimento de liberdade bem conhecido.

Não posso deixar de traçar paralelos com a Life. A publicação tinha um artigo anti-apartheid muito forte [“A África do Sul e seu problema”] que foi quase inteiramente feito por Margaret Bourke-White em 1950. Bourke-White era uma jornalista muito boa, que não recebe o crédito que merece. Ela foi para a África do Sul e ficou horrorizada, realmente horrorizada com o que viu. Eu li as cartas que ela escreveu depois de sua viagem. Chamas saem das páginas.

O ensaio fotográfico da Life Magazine não tem essa raiva, porque os editores não publicaram as fotos mais fortes, mas o ensaio de Bourke-White ainda é muito intenso e permanece depois de 50 anos. Quero dizer, diz o que é a África do Sul: opressão racial e exploração de classe. É realmente algo quase neo-marxista.

Então, após o massacre de Sharpeville, a Life fez duas histórias. A primeira foi apenas sobre o horror do evento, com imagens realmente poderosas de Ian Berry de pessoas correndo por suas vidas. Uma semana depois, publicaram o famoso quadro fúnebre de Peter Magubane, com fileiras de caixões, com padres anglicanos rezando por eles.

Acho que esse é um ponto realmente importante: não é que a National Geographic só refletiu as cegueiras e a visão branca padrão de seu tempo. Foi na verdade anterior aos tempos, mesmo em relação aos seus parceiros.

Eu escutei entrevistas com os fotógrafos da National Geographic. Alguns estavam completamente de acordo como a National Geographic operava e via o mundo, e você os ouviria descrevendo a saída da missão e a ideia de tirar fotos que mostrassem pessoas vivendo uma vida que poderia ter sido vivida há 500 anos. Eles conscientemente queriam colocar seus assuntos neste passado atemporal imutável.

Mas você ouvirá outras entrevistas com os fotógrafos da equipe da National Geographic que diriam: "Cara, odiamos essa merda". Na verdade, ouvi uma recentemente falando sobre esse artigo de 1962. O fotógrafo diz essencialmente que era vergonhoso e que a equipe da época estava ciente disso. Ele diz: "Nós éramos jovens, éramos rebeldes, mas estávamos sendo editados por velhos brancos" - e, claro, eles são todos brancos, mas seus editores eram homens idosos na faixa dos 60 anos.

Havia uma sensação de conflito geracional acontecendo, de dissidência interna. Eu costumo falar em termos abrangentes sobre a cultura corporativa da National Geographic, mas é importante dizer que houve dissidência interna.

Na verdade, se estivéssemos procurando as mudanças na década de 1970, também pode ser uma mudança geracional. Nos anos 70, havia um novo editor-chefe e tenho certeza de novos editores subordinados, e acho que a corrente de dissidência é o que inicia o processo de mudança.

Seu resumo finalizou nos anos 70 essencialmente?

Não, eu levei para o século 21.

E você vê uma mudança na revista ao longo do tempo?

Quer dizer, é gradual e, às vezes, é um passo à frente, dois passos para trás, como toda mudança. A revista nos anos 70 não é o que era nos anos 60. A mesma coisa pode ser dita sobre os anos 90 e o presente.

A carta de Susan não é o começo de alguma coisa; é um ponto culminante de mudanças que já aconteceram. É tornar explícita a crítica da revista, onde eu acho que a própria revista tem sido privada ou implicitamente criticando-se já há algum tempo.

O desafio para a revista daqui para frente é: o que você fará agora?
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Matéria de Ben Davis publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 21/03/18.

Fotógrafo mineiro Assis Horta morre aos 100 anos em Belo Horizonte

Assis Horta foi um gênio criador de um dos mais relevantes acervos fotográficos deste país no século 20. A mostra “Assis Horta: Retratos” (2015) teve curadoria de Guilherme Horta (que não é parente do fotógrafo) e reuniu mais de 200 fotografias em preto e branco, de operários que pela primeira vez foram fotografados por Assis Horta, em 1943, quando o presidente Getúlio Vargas tornou obrigatória a Carteira Profissional com foto, após a implantação da CLT +

O Mapa das Artes lamenta imensamente o falecimento do fotógrafo mineiro Assis Horta (1918-2018), no último dia 17/4/18, em Belo Horizonte, aos 100 anos de idade (completou em 28/2/18). Assis Horta foi um gênio criador de um dos mais relevantes acervos fotográficos deste país no século 20. O editor do Mapa das Artes teve o prazer de conhecê-lo e entrevistá-lo, na capital mineira, em 2016, um ano depois de ver a exposição “Assis Horta: Retratos”. A mostra foi exibida a partir de 2014 em Ouro Preto, Brasília, Belo Horizonte (no Palácio das Artes) e Rio de Janeiro (no Espaço Cultural BNDES). A mostra “Assis Horta: Retratos” teve curadoria de Guilherme Horta (que não é parente do fotógrafo) e reuniu mais de 200 fotografias em preto e branco, de operários que pela primeira vez foram fotografados por Assis Horta, a partir de 1943, quando o presidente Getúlio Vargas tornou obrigatória a Carteira Profissional com foto, após a implantação da CLT. Depois de ver a mostra, o editor do Mapa das Artes decidiu que teria que conhecer Assis Horta, pois aquela mostra nunca mais saiu de sua cabeça.

A identidade pelo trabalho: A fotografia de Assis Horta

A carteira profissional trouxe mais do que uma formalização para o emprego no Brasil. Criou uma identidade para o trabalhador. Para muitos, foi o primeiro registro de sua imagem: o artigo 16 da Consolidação das Leis do Trabalho (CLT), de 1º de maio de 1943, determinava que a carteira deveria contemplar, entre outros itens, uma \"fotografia, de frente, modelo 3 x 4\". Pioneiro nesse registro, Assis Horta, hoje com 95 anos, fez nos anos 1940 centenas de retratos de trabalhadores. Artigo de Vitor Nuzzi , editado em 10/01/2014 no portal Rede Brasil Atual (http://www.redebrasilatual.com.br). +

Em 2012, Assis Horta foi tema de um filme de curta-metragem produzido pelas Nitro Imagens em parceria com a Alicate: O Guardião da Memória. “Ele saiu desse formato de fotógrafo de estúdio. Foi para a rua”, diz, no curta, o também fotógrafo Eustáquio Neves. “Você conhece uma sociedade por aquele conjunto de imagens”, comenta a diretora do Museu do Diamante, Lílian Oliveira. Criado em 1954, o museu fica em Diamantina (MG), terra natal de Assis e do presidente Juscelino Kubitschek. Em 1936, o fotógrafo comprou a loja que era do chefe e criou a Photo Assis, que funcionou até 1967, quando ele se mudou para Belo Horizonte.

Curador de uma exposição que já passou por Ouro Preto e Brasília (Assis Horta: A Democratização do Retrato Fotográfico através da CLT), o também fotógrafo e professor Guilherme Horta – que não é parente do veterano – destaca a técnica e o esmero na produção. “A gente percebe a extrema habilidade do seu Assis na execução do retrato. Ele fazia um clique, sabe? E conseguia extrair essa personalidade (do fotografado) como poucos”, diz Guilherme, que vê similaridade entre fotos de Assis e quadros do pintor brasileiro Alberto da Veiga Guignard.

Ainda hoje, Assis preserva o cuidado com os detalhes, como testemunha o próprio Guilherme. "Na abertura da exposição em Brasília, ele disse: você precisa arrumar essa gravata..." E, mesmo passados vários anos, lembra de detalhes das fotos: tal pessoa está segurando o terno em tal lugar porque ali faltava um botão, aquele era professor de Educação Física. Um queria aparecer com seus dentes de ouro – "Então, dê um leve sorrisinho".

Pose para a história
"Muitos provavelmente devem ter sentado diante de uma câmera fotográfica pela primeira vez", observa Guilherme. Caso de uma fábrica de tecidos na vila de Biribiri,¬ na região de Diamantina, desativada há 30 anos e cenário de filmes como A Dança dos Bonecos (de Helvécio Ratton) e Xica da Silva (Cacá Diegues). Há muitos registros de fotos com a mesma data: 1º de julho de 1943. Exatamente dois meses depois do decreto da CLT. "Seu Assis foi lá e fotografou a fábrica inteirinha." Pelo menos 70% eram mulheres.

E era sempre uma única chapa. "Todos um clique só por pessoa. Até aqueles de estúdio", conta Guilherme. Câmara de fole, tripé, luz natural vinda de uma janela, fundo pintado e tapete persa. E muito cuidado na produção, além da procura por equipamento importado em tempos de guerra. "Seu Assis pegava trem em Diamantina e ia para o Rio de Janeiro, na rua São José (região central da então capital), comprar material fotográfico."

"Fotografados para a Carteira de Trabalho, de acordo com as normas legais, eles (os trabalhadores) e suas famílias descobriram, com fascínio especial, o estúdio fotográfico", diz, na apresentação da exposição, o presidente do Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), Angelo Oswaldo de Araujo Santos. "E o atelier, antes frequentado pelas classes abastadas, foi invadido por populares que queriam mostrar sua cara, para além da foto datada para o documento."

Assis não fotografou apenas os trabalhadores para tirar a carteira profissional. Fez um registro da sociedade que abrange a própria cidade de Diamantina, fotografada por ele para o processo de tombamento – o conjunto arquitetônico e urbanístico foi tombado em 1938 pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan), do qual Assis foi funcionário. Mas as imagens dos operários podem ser vistas também como um começo de democracia do ponto de vista da imagem. Acostumada a retratar a elite, a câmera focalizou a população. "O privilégio que refletira nos incontáveis registros da família imperial e da aristocracia da República Velha tornou-se o espelho do povo", diz o presidente do Ibram. "A partir da Carteira do Trabalho, seguro de si e da família, cabeça erguida no quadro social, ele faz pose para aparecer na História do Brasil."
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Artigo de Vitor Nuzzi , editado em 10/01/2014 no portal Rede Brasil Atual (http://www.redebrasilatual.com.br).


Estátua de Mary McLeod Bethune substituirá um general confederado nos EUA

A líder e educadora dos direitos civis Mary McLeod Bethune (1875 - 1955) será a primeira afro-americana a ser homenageada com um monumento no National Statuary Hall do Capitólio dos EUA, em Washington, D.C. Bethune será uma das dez mulheres a aparecer entre as 100 figuras, e ainda substituirá Edmund Kirby Smith. "Escolher sua imagem para o salão envia um poderoso sinal para o mundo que os habitantes da Flórida reconhecem a rica história de nosso estado e sua diversidade atual", disse o senador estadual Perry Thurston, que patrocinou o projeto. Matéria de Sarah Cascone, publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 21/03/18. +

A líder e educadora dos direitos civis Mary McLeod Bethune será a primeira figura afro-americana a ser homenageada com um monumento no National Statuary Hall, no Capitólio dos EUA. Apropriadamente, Bethune substituirá um general confederado.

Bethune nasceu numa época dos ex-escravos em 10 de julho de 1875, a 15ª dos 17 filhos de seus pais. Em 1904, ela fundou a Escola Normal e Industrial de Daytona para Meninas Negras, que matriculou 250 alunas em apenas dois anos. Eventualmente, a escola tornou-se a Universidade Bethune-Cookman, uma das cinco faculdades e universidades historicamente negras da Flórida.

Em 1935, Bethune estabeleceu o Conselho Nacional de Mulheres Negras para combater a segregação racial e a discriminação. O presidente Franklin D. Roosevelt nomeou seu diretor da Divisão de Assuntos Negros da Administração Nacional da Juventude no ano seguinte.

Bethune "estava comunicando há um século uma ideia que ainda é uma mensagem importante para a nossa juventude, que a educação pode abrir um número incrível de portas para você e é fundamental para um futuro brilhante e bem sucedido", Nancy Lohman, membro do conselho da Bethune -Cookman University, disse a Hometown News Volusia. “Ela era uma mulher incrível que olhava além da divisão racial para educar nossa juventude. Ela é mais merecedora de estar no Statuary Hall.”

Cada estado tem duas estátuas no Statuary Hall. Bethune será uma das dez mulheres a aparecer entre as 100 figuras, e ainda substituirá Edmund Kirby Smith, que entregou a última força militar da Confederação e foi o último sobrevivente da Guerra Civil. A estátua de 1922 é o trabalho de C. Adrian Pillars, que também criou a segunda estátua da Flórida, do médico, cientista, inventor e humanitário John Gorrie.

A questão sobre o que fazer com os monumentos confederados tem sido altamente controversa nos últimos meses. Mas os legisladores da Flórida apresentaram uma frente quase unida, com a Câmara dos Deputados estadual votando 111 a um a favor da resolução em fevereiro. (O republicano Jay Flant de Jacksonville foi o único voto de abstenção.) A legislatura votou pela remoção de Smith em 2016, em resposta ao tiroteio de Charleston em 2015 que resultou na morte de nove afro-americanos na Carolina do Sul. (Smith é um dos 12 homens que lutaram ou defenderam a Confederação em memória de Statuary Hall.)

O governador Rick Scott sancionou a lei na segunda-feira, juntamente com outras 29 leis, informou o Orlando Weekly.

"A vida e os valores de Bethune ilustram o melhor da Flórida", disse o senador estadual Perry Thurston, que patrocinou o projeto, ao Daytona Times. "Escolher sua imagem para o salão envia um poderoso sinal para o mundo que os habitantes da Flórida reconhecem a rica história de nosso estado e sua diversidade atual".
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Matéria de Sarah Cascone, publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 21/03/18.

Manifesta 12 anuncia seu tema para a edição de 2018

Conhecida como a bienal nômade europeia, a Manifesta chega a Palermo (Itália) para explorar o conceito do mundo como um jardim universal. Intitulada “The Planetary Garden. Cultivating Coexistence”, o conceito da feira explora a coexistência em um mundo movido por redes invisíveis, interesses privados transnacionais, inteligência algorítmica e as desigualdades sempre crescentes, onde a investigação gira em torno da compreensão mais profunda das texturas sociais, culturais e geográficas da própria cidade. Matéria publicada no site do Toucharte (www.touchofclass.com.br), em 10/01/18. +

A Manifesta 12 revelou o tema de sua próxima edição, que acontece entre 16/6 e 4/11/18. Intitulada “The Planetary Garden. Cultivating Coexistence”, o conceito da feira explora a coexistência em um mundo movido por redes invisíveis, interesses privados transnacionais, inteligência algorítmica e as desigualdades sempre crescentes através da lente única de Palermo (Itália) – uma encruzilhada de três continentes no coração do Mediterrâneo.

Em colaboração com parceiros locais, a Manifesta 12 coabitará em Palermo como um laboratório para investigar os desafios do nosso tempo e buscar vestígios de futuros possíveis. Ao longo da história, a cidade de Palermo tem sido um laboratório de diversidade e polinização cruzada, moldada pela migração contínua. Na pintura de 1875 de Francesco Lojacono, “Vista de Palermo” (na coleção do Museu GAM, em Palermo), nada era nativo. As oliveiras vieram da Ásia, as aspens do Oriente Médio e os eucaliptos da Austrália. As árvores cítricas – símbolo da Sicília – foram introduzidas pelos árabes.

O jardim botânico de Palermo, Orto Botanico, foi fundado em 1789 como um laboratório para nutrir, testar, misturar e reunir diversas espécies. Inspirado pelo Orto Botanico de Palermo, a Manifesta 12 analisará a ideia do “jardim”, explorando sua capacidade de agregar diferenças e compor a vida fora do movimento e da migração.
A Manifesta 12 apresenta quatro seções principais, todas de acordo com o conceito-chave do evento: Garden of Flows, Out of Control Room, City on Stage e Teatro Garibaldi.

O conceito Manifesta 12 foi extraído da própria cidade através de uma fase preliminar de investigação pela OMA, o Atlas de Palermo. Foi a primeira vez que a Manifesta deu início à bienal com base em pesquisa feita por um escritório de arquitetura. O objetivo era ter uma compreensão mais profunda das texturas sociais, culturais e geográficas da cidade; destacar as suas oportunidades existentes e fornecer uma fonte para o público compreender as transformações contemporâneas através dos “olhos” de Palermo.

Bienal nômade

Manifesta é a bienal nômade europeia, realizada em uma cidade anfitriã diferente a cada dois anos. É um grande evento de arte internacional, atraindo visitantes de todo o mundo. O evento é o ponto de partida para descobrir artistas emergentes, ideias provocadoras, novas obras de arte especialmente encomendadas para o evento e experiências criativas em diálogo com locais espetaculares de cada cidade anfitriã.

Fundada em Amsterdã, no final da década de 1990, a Manifesta surgiu como uma bienal europeia da arte contemporânea que se esforçou para melhorar os intercâmbios artísticos e culturais após o fim da Guerra Fria. Na próxima década, o evento se concentrará em evoluir de uma exposição de arte para uma plataforma interdisciplinar para a mudança social, introduzindo a pesquisa urbana holística e a programação orientada para o legado como o núcleo do seu modelo.

A Manifesta é administrada por seu fundador, o historiador holandês Hedwig Fijen, e organizada por uma equipe permanente de especialistas internacionais. Cada nova edição, é iniciada e encerrada individualmente. Atualmente, a Manifesta trabalha em seus escritórios em Amsterdã e Palermo, com um próximo escritório em Marselha para Manifesta 13, estreando na cidade francesa em 2020.
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Matéria publicada no site do Toucharte (www.touchofclass.com.br), em 10/01/18.

Galeristas mulheres definem a cena de arte brasileira

Por trás das festividades da maior feira de arte da América do Sul, a SP-Arte, está está um pequeno grupo de galeristas que construíram a fundação sobre a qual toda a cena é construída. Raquel Arnaud, Luisa Strina, Nara Roesler, Marilia Razuk, Vilma Eid, Márcia Fortes e Luciana Brito foram pioneiras da arte contemporânea no Brasil, muito antes do mundo perceber. Matéria de Sara Roffino publicada originalmente no site do Cultured Mag, (www.culturedmag.com/brazil-art-galleries). +

A mais importante feira de arte da América do Sul, a SP-Arte, ocupou o icônico Pavilhão da Bienal, projetado por Oscar Niemeyer, pela décima quarta vez na semana passada. Com 132 galerias, uma programação completa e dois dias frenéticos de previews VIP, a feira é uma parada essencial para a elite paulista sobrenaturalmente chique, bem como a semana mais importante do ano para o mercado de arte brasileiro.

Por trás das festividades está um pequeno grupo de galeristas que construíram a fundação sobre a qual toda a cena é construída. Raquel Arnaud, Luisa Strina, Nara Roesler, Marilia Razuk, Vilma Eid, Márcia Fortes e Luciana Brito foram pioneiras da arte contemporânea no Brasil, muito antes do mundo perceber. Trazer todas elas sob o mesmo teto modernista da feira é o trabalho de Fernanda Feitosa, que fundou a SP-Arte em 2005 e continua sendo a única proprietária.

As mulheres, apesar de seu papel indiscutível tanto quanto os galeristas mais consagrados de São Paulo, percebem pouco a respeito de seu sucesso. Elas destacam que há importantes galeristas em todo o mundo e mencionam o falecido Thomas Cohn, colega de profissão que representava figuras como Adriana Varejão e Beatriz Milhazes, e Marcantônio Vilaça, que era uma figura internacional da arte brasileira antes de sua morte, em 2000. “Não tenho certeza se vejo isso como um grande negócio”, diz Feitosa, da predominância de galeristas do sexo feminino. “Eu ouvi uma vez alguém dizendo que nos anos cinquenta era aceitável que uma mulher possuísse uma galeria. Não era atividade de um homem porque não fornece necessariamente os recursos para sustentar uma família. Não sei se é verdade, mas talvez no passado tenha sido percebido mais como hobby do que carreira. ”

Luisa Strina conta com Olafur Eliasson, Aldredo Jaar e a falecida e amada ícone neoconcreta Lygia Pape, entre os artistas com quem lida. “Quando comecei em 1974, não havia galerias como as que temos hoje”, diz ela. “Eu fui a primeira a representar artistas e trabalhar diretamente com eles. Eu não queria abrir uma galeria, mas os artistas com quem eu estava trabalhando disseram que, se eu não fizesse, eles trabalhariam com outra pessoa.” Na época, o Brasil era governado por uma ditadura militar, o que significava que a arte poderia ser nem importada, nem exportada. “Em 1985, abrimos os portos; em 1988, participei da Art Cologne; e em 1990 fui para a Art Basel. Esse foi o começo da exportação da arte brasileira ”, explica. Ser mulher não era um desafio, de acordo com Strina. “Os homens me ajudaram. Nós éramos um grupo de pessoas juntas e nos ajudávamos. ”

Raquel Arnaud, que abriu sua galeria há 45 anos, explica que foi um passo natural para ela, depois de trabalhar no Museu de Arte de São Paulo. Representando agora o espólio de Sergio Camargo e os artistas Carlos Cruz Diez e Waltércio Caldas, ela se dedica exclusivamente à arte geométrica. “Eu acho que é apenas uma coincidência”, ela diz quando perguntada sobre por que esse grupo histórico de galeristas é apenas composto por mulheres.
Luciana Brito começou no mundo das galerias trabalhando para Arnaud, antes de se juntar a Fábio Cimino para abrir um espaço em 1997. Cimino saiu em 2008, e desde então a filha de Brito, Julia, entrou em cena para ajudar a administrar a galeria, que representa Caio Reisewitz, Regina Silveira e Marina Abramovic. "Estou muito feliz por fazer parte de todas essas mudanças", diz Brito. “Desde que comecei minha carreira e abri a galeria, toda a cena artística se profissionalizou - não apenas as galerias e o mercado, mas também os museus e as publicações.”

Quando perguntado sobre quem é o responsável pela próxima geração, Brito menciona a dona da Galeria Central, Fernanda Resstom, Maria Montero, da Galeria da Sé, e Jacqueline Martins - cujo nome surgiu repetidas vezes durante a feira como a próxima galeria brasileira a ser observada. "Não é fácil", diz Brito. "Isso nos levou muitos anos para alcançar."
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Matéria de Sara Roffino publicada originalmente no site do Cultured Mag, (www.culturedmag.com/brazil-art-galleries). Fotografia de Ênio César.

De Banksy à quadra de basquete colorida: guia de arte pública para ver em NY

Apesar da nevasca de março, a primavera chegou oficialmente esta semana em New York. Enquanto o clima mais quente não chega, a artnet News reuniu um guia prático para toda a arte pública em exibição nos próximos meses. Matéria de Sarah Cascone, publicada no site do Artnet (artnet.com), em 23/03/18. +

Apesar da nevasca de março – uma tempestade chamada Toby, que despejou cerca de 20 cm (8 in) de neve na cidade de Nova York - a primavera chegou oficialmente esta semana. Enquanto aguardamos o clima mais quente que normalmente vem com a mudança das estações, a artnet News reuniu um guia prático para toda a arte pública em exibição em Nova York nos próximos meses. Aprecie!

1. Banksy, Zehra Dogan Livre no Houston Bowery Wall
O infame artista de rua britânico Banksy, de volta a Nova York depois de uma ausência de cinco anos, emocionou os amantes da arte local com uma série de novos trabalhos na semana passada. Alguns trabalhos não sancionados parecem destinados a serem arrebatados e vendidos em leilão por proprietários empreendedores, mas o grafiteiro também criou um trabalho comissionado para o Houston Bowery Wall. A peça protesta a prisão de Zehra Doğan, que foi presa por pintar uma imagem da destruição de cidades curdas por forças do governo.

Houston Bowery Wall, 76 East Houston Street; 15 de março a outono de 2018.


2. Yinka Shonibare, Wind Sculpture (SG) I at Doris C. Freedman Plaza in Central Park
Após o espetáculo Ai Weiwei do último outono, o Public Art Fund mais uma vez assume uma postura pró-imigração com a escultura de vela, de cerca de 7 mestros, de Yinka Shonibare. O trabalho faz referência a uma história de colonialismo e migração, com uma estampa colorida baseada nas gravuras de cera holandesas inspiradas nos batik do artista, populares na África Ocidental, onde são importadas da Holanda.

Doris C. Freedman Plaza, Fifth Avenue at 60th Street; de 7 de março a 14 de outubro de 2018


3. Gillie e Marc Schattner, Os Últimos Três no Astor Place
O amado Astor Place Cube tem alguma competição na forma da escandalosa e implacável escultura “Os Últimos Três”, um tributo bem-intencionado ao rinoceronte branco, criticamente ameaçado, destinado a apoiar a conservação dos rinocerontes e a condenar a caça furtiva. A peça de bronze de 4,5 metros de altura, que empilha os três animais restantes, foi revelada poucos dias antes da trágica morte do Sudão, o único rinoceronte branco masculino restante - praticamente garantindo a extinção da espécie. Um sinal que relembra o Sudão foi colocado ao lado da estátua.
Astor Place e Lafayette Street; 15 de março a 15 de maio de 2018.

4. Phyllida Barlow, instalação na High Line
Phillida Barlow está reinventando sua escultura da Bienal de Veneza 2017 para a High Line, criando um par de painéis de concreto apoiados em palafitas, com recortes no centro. O trabalho tem como objetivo fazer referência ao passado industrial do parque, localizado em um ponto da antiga linha férrea que teria entrado diretamente em um depósito refrigerado que serve a antiga fábrica de biscoitos Nabisco. É a primeira vez que a High Line mostrará arte em sua Northern Spur Preserve.

A High Line, West 16th Street; 19 de abril de 2018 a março de 2019.

5. “Diana Al-Hadid: Delirious Matter” no Madison Square Park
Para seu primeiro grande projeto de arte pública, Diana Al-Hadid apresentará seis esculturas recém-encomendadas feitas com gesso colorido de polímero, em objetos para fazer moldes escorregadios e etéreos reforçados com fibra de vidro. Algumas das figuras vão emergir de sebes de folhas frondosas plantadas no chão, enquanto a piscina refletora do Madison Square Park se tornará o lar de um busto feminino sentado em um fragmento montanhoso. (A artista também tem uma próxima mostra homônima no Bronx Museum of the Arts, em cartaz de 23 de maio a 14 de outubro de 2018.

Madison Square Park, Quinta Avenida na 23rd Street; 14 de maio a 3 de setembro de 2018

6. Jorge Luis Rodriguez, Atlas do Terceiro Milênio em Marcus Garvey Park
Jorge Luis Rodriguez homenageia a vibrante cultura do Harlem com uma escultura esférica composta de estrelas individuais representando os líderes culturais e cívicos da comunidade.
Parque Marcus Garvey, 18 Mount Morris Park West, Manhattan; 10 de novembro de 2017 a 1º de outubro de 2018.

7. Anselm Kiefer, Uraeus no Rockefeller Center
Depois de oito anos de conversas com o Public Art Fund, a primeira escultura pública ao ar livre de Anselm Kiefer nos Estados Unidos será inaugurada no Rockefeller Center nesta primavera. A peça retrata um livro alado colossal, aberto e empoleirado no topo de um poste de seis metros de altura cercado por uma cobra - o título, Uraeus, refere-se ao símbolo de cobra sagrada abraçado pelos antigos egípcios. Elenco em chumbo, o trabalho principal será acompanhado por outros livros de chumbo em grande escala espalhados pela praça.

Rockefeller Center, 45 Rockefeller Plaza; 2 de maio a 22 de julho de 2018

8. Julia Sinelnikova, Triquerta for Healing no Brower Park
Feito de acrílico e aço, o Triquerta for Healing é inspirado tanto nas fronteiras geográficas de Crown Heights como nas tradicionais mandalas budistas, e apresenta um belo efeito de vitral que o artista descreve como “um banho de luz ativado pelo sol para os visitantes”.
Brower Park, Brooklyn Avenue e Prospect Place, Brooklyn; 30 de setembro de 2017 a 29 de setembro de 2018.

9. Jamie Scott, Primavera nos outdoors eletrônicos da Times Square
A Times Square Arts inaugura a primavera com um Midnight Moment sazonal, Jamie Scott segue o seu sucesso viral Fall, filmado ao longo de dois anos no Central Park e mostrando a mudança de cores da folhagem no outono. Na primavera, ele capturou close-ups de flores desabrochando em seu estúdio, incorporando as imagens em cenas do parque.

Duffy Square, Seventh Avenue e West 47th Street; de 1 a 30 de abril de 2018.

10. “Phil Collins: Derrubar as Paredes” no Firehouse, Engine Company 31
Phil Collins se juntará a mais de 100 colaboradores para este projeto que critica o sistema de justiça criminal, apresentado pela Creative Time. Realizado em um quartel-general do centro histórico, o projeto de arte pública em três partes é inspirado na história da house music e oferecerá aulas e workshops durante o dia, transformando-se em um clube de dança e local de espetáculos à noite.

Firehouse, Engine Company 31, 87 Lafayette Street entre Walker e White Streets; fins de semana em maio.

11. LAMKAT em colaboração com Laura Alvarez, Untitled at Mullaly Park
O parque de bicicletas Mullaly Park tornou-se uma tela colorida para a LAMKAT, cujo design padronizado apresenta camadas e geometria precisas.

Mullaly Park, 1055 Jerome Avenue, Bronx; 5 de novembro de 2017 a 4 de novembro de 2018.

12. Dorothy Iannone, I Lift My Lamp Beside the Golden Door (Levanto a Minha Lâmpada ao Lado da Porta Dourada) da High Line
Um dos destaques da Independent Art Fair deste ano em Nova York foi uma seleção de obras da autodidata Dorothy Iannone, de 84 anos, exibida pela Air de Paris. Agora, ela revelou sua primeira obra de arte pública, com um mural com três de suas figuras femininas ousadamente coloridas, descaradamente sexuais, da Estátua da Liberdade, com vista para o High Line. Iannone foi contratada pela primeira vez para fazer a peça em 2014, fazendo a sua mensagem pró-imigrante - o título, impresso na parede, vem das linhas finais de “The New Colossus” de Emma Lazarus - especialmente presciente na era de Donald Trump.

A High Line, West 16th Street; de março de 2018 a março de 2019.

13. Virginia Overton no Socrates Sculpture Park
Virginia Overton assumirá o Socrates Sculpture Park com esculturas feitas de materiais reaproveitados, incluindo uma caminhonete. Os trabalhos de grande escala incluirão uma enorme viga de pinho suspensa de um pórtico caseiro, um elemento de água e uma escultura de 12 metros de altura, feita de treliças arquitetônicas industriais empilhadas para formar uma enorme estrutura em forma de cristal.

Socrates Sculpture Park, 32-01 Vernon Boulevard, cidade de Long Island; 6 de maio a 4 de setembro de 2018.

14. "Kathy Ruttenberg na Broadway: em sonhos acordados", na Broadway
A Broadway Mall Association encaminhou Kathy Ruttenberg para apresentar suas esculturas ao longo da famosa avenida entre Columbus Circle e 157th Street. A visão da artista parece com algo saído de um conto de fadas, com obras extravagantes como uma sereia presa em um aquário, um caracol gigantesco e cervos, camundongos e árvores antropomorfizados.

Shoppings da Broadway, de Columbus Circle até a 157th Street; 27 de abril - inverno 2018.

15. Ruth Hofheimer, Birds of Paradise (Aves do Paraíso) no Parque Bayswater
Ruth Hofheimer convocou membros do bairro para ajudar a completar seu mural de 150 metros de comprimento, montando o estilo pintar-por-números. A peça é inspirada no ecossistema da vizinha Jamaica Bay, particularmente em sua riqueza de aves, como a águia-pesqueira.

Bayswater Park, Dwight Avenue e Seagirt Boulevard entre a Beach 38 Street e a Bay 32 Street, Queens; 1 de setembro de 2017 a 30 de agosto de 2018.


16. Pauline Boudry e Renate Lorenz, Silencioso na High Line
Com transmissão diária ao entardecer na passagem da High Line na 14th Street, Pauline Boudry e Renate Lorenz's Rise estrelam a musicista venezuelana Aérea Negrot, que se apresenta em silêncio - sua interpretação de 4'33 de John Cage (1952). A peça foi encenada na Oranienplatz em Berlim, que abriga um campo de protesto de refugiados em 2012-14, começando em um pódio e continuando enquanto Negrot caminha pelo parque, antes de terminar com uma música. A peça considera que o silêncio pode ser tanto opressivo quanto fortalecedor.

High Line, na West 16th Street; 22 de março a 23 de maio de 2018.

17. Matthew Westerby e Harold Simmons, rostos do parque ferroviário no Railroad Park
Membros da comunidade local se reuniram com os artistas Matthew Westerby e Harold Simmons para discutir hábitos saudáveis e como eles fazem uso de seus parques. Eles também posaram para fotografias, impressas em vinil e exibidas no exterior de um edifício de instalações do parque. (A dupla está trabalhando com a DreamYard, uma organização dedicada a trabalhar com jovens no Bronx.)
Railroad Park, interseção da Courtland Avenue e East 161st Street, Bronx; 11 de outubro de 2017 a 10 de outubro de 2018.

18. "Palavra na rua" na Times Square
A Times Square Arts e o coletivo artístico House of Trees estão de volta para a segunda rodada de faixas e cartazes com mensagens políticas de artistas e escritoras Laurie Anderson, Naomi Shihab Nye, Tania Bruguera e A.M. Casas (Trabalhos de feltro relacionados, fabricados por refugiados para a Marcha Feminina de 2017, estarão disponíveis com hora marcada no Watermill Centre, nos Hamptons, de 23 de março a 17 de abril).
Na Times Square até fevereiro de 2018; no Socrates Sculpture Park até 11 de março de 2018.

19. Madsteez, Btn X Madsteez - Quadra de Basquete no Triborough Bridge Playground B.
Cerca de 14 escolas jogam bola em uma quadra brilhantemente pintada por Madsteez.
Parque de diversões da Ponte Triborough B, Hoyt Street South, Queens; 28 de fevereiro de 2018 a 27 de fevereiro de 2019.
20. Symmetry Labs, Sea of Light at the Seaport District

All winter, South Street Seaport has been home to an immersive public light installation from Symmetry Labs, a San Francisco light art collective that has shown at the likes of Burning Man and Refinery 29’s 29 Rooms. A series of interactive spheres some a big as nine feet tall are lit from within by a collective 150,000 individually programmable LEDs that respond to the sound and motion of viewers.
The Seaport District, 19 Fulton Street; December 5, 2017–March 31, 2018.

20. Laboratórios de Simetria, Mar de Luz no Seaport District
Durante todo o inverno, o South Street Seaport tem sido o lar de uma instalação de luz pública imersiva da Symmetry Labs, um coletivo de arte de luz de São Francisco que se apresentou em salas como Burning Man e Refinery 29’s 29 Rooms. Uma série de esferas interativas, com cerca de nove metros de altura, são iluminadas por um conjunto de 150.000 LEDs individualmente programáveis que respondem ao som e ao movimento dos espectadores.
O Distrito Seaport, 19 Fulton Street; 5 de dezembro de 2017 a 31 de março de 2018.

21. Hugh Hayden, The Jones Parte II em Inwood Hill Park
A escultura rústica de Hugh Hayden lembra uma mesa de piquenique, mas com galhos salientes que impedem sua funcionalidade. Faz parte de uma série de arte pública chamada "New Bench", que pretende reinventar o banco do parque em um espaço comunitário para as comunidades.

Inwood Hill Park, rua de Dyckman, Manhattan; 4 de novembro de 2017 a 30 de abril de 2018.

22. Loop no Garment District Plazas
A mais recente instalação de arte da Garment District Alliance é uma série de seis cilindros retro-futuristas de nove pés de altura criados pela equipe de Olivier Girouard, Jonathan Villeneuve, Ottoblix, Generique Design, Thomas Ouellet Fredericks, Adsum Lab, Jérôme D. Roy e Dominic Thibault. Subir e começar a bombear - quase como se você estivesse em uma roda de hamster gigante - e você ativará uma seleção de filmes musicais giratórios, inspirados no zootrópio e contando 13 histórias de contos de fadas.

Garment District Plazas, Broadway entre as ruas West 37th e 38th; 18 de fevereiro a 31 de março de 2018.

23. Suprina, em sapatos de outra pessoa no Inwood Hill Park
Os visitantes do parque são convidados a subir e posar neste enorme sapato, coberto por um mosaico de objetos descartados. O objetivo da Suprina é incentivar os espectadores a pensar em andar no lugar de outra pessoa, em vez da sua própria.
Inwood Hill Park, rua de Dyckman, Manhattan; 19 de outubro de 2017 a 30 de abril de 2018.

24. Ann Gillen, Figura De Reclinação (postura clássica de Buda) no Seward Park
Esta escultura abstrata, pintada de branco e amarelo, usa formas básicas para sugerir uma forma humana deitada em repouso e espera sugerir paz e relaxamento aos frequentadores do parque.

Seward Park, Essex Street, Manhattan; 9 de fevereiro de 2018 a 25 de maio de 2018.

25. Ondulações da Água por Stella Artois na Grand Central Station
Stella Artois está trabalhando em parceria com a Water.org para ajudar a acabar com a crise global da água, com uma instalação de arte cinética na Grand Central Station de Nova York. Os espectadores podem desencadear um efeito de onda de gotículas de água - e a coisa toda é capturada em vídeo, para melhor compartilhá-la nas mídias sociais. Para participar, no entanto, você tem que comprar um cálice de edição limitada Stella Artois - a venda de cada um deles fornece cinco anos de água limpa para uma pessoa no mundo em desenvolvimento.
Estação Grand Central, Vanderbilt Hall, 89 East 42nd Street; 23 a 26 de março de 2018, das 8h às 20h.

26. Fitzhugh Karol, Pesquisas e Alcances no Prospect Park
Fitzhugh Karol criou um par de esculturas de aço cruzadas brincalhonas e coloridas, suas maiores obras até hoje, para o Prospect Park.
Prospect Park, triângulo de grama na West Side Drive, Brooklyn; 15 de novembro de 2017 a 31 de maio de 2018.

27. William Ellis, O Povo do Sol no Lincoln Terrace / Arthur S. Somers Park
Um conjunto de quatro esculturas de metal de William Ellis funciona como uma vitrine para outros artistas locais e membros da comunidade, servindo como painéis artísticos rotativos. Ellis também irá usá-los para mostrar dicas para uma vida saudável para incentivar os frequentadores do parque a cuidar melhor de si mesmos.
Lincoln Terrace / Parque Arthur S. Somers, E. New York Avenue, Brooklyn; 12 de dezembro de 2017 a 29 de novembro de 2018.

28. Gillie e Marc Schattner, Table of Love, parte de “Travel Everywhere With Love”, na 237 Park Avenue
Não contente com uma escultura animal estranhamente sacarina, a dupla por trás do memorial do rinoceronte branco também instalou um novo bronze de seus personagens híbridos humanos-animais, Rabbitgirl e Dogman. É um dos 100 trabalhos similares instalados em lugares ao redor do mundo, como parte do que eles estão reivindicando ser o maior projeto de arte de igualdade de gênero do mundo - aparentemente, o amor entre as duas espécies “significa manter a mente aberta e o amor fluir” de crescente nacionalismo e controle de fronteiras.
237 Park Avenue na East 46th Street, entre as avenidas Park e Lexington; 14 de janeiro de 2018 - em andamento.

29. On Love: A Arte das Linhas, Formas e Símbolos no Jardim de Inverno em Brookfield Place
Por duas semanas, os artistas Mehdi Saeedi, Masako Inkyo, Rupy C. Tut e Rostarr (Romon K. Yang), assumirão o Jardim de Inverno em Brookfield Place, cobrindo as janelas com pinturas caligráficas de grande escala e temas amorosos. O projeto multilíngue se baseará nas variadas heranças dos artistas - eles são oriundos do Irã, do Japão, da Índia, da Coréia e dos Estados Unidos - usando palavras, letras, formas e símbolos de seus respectivos idiomas e alfabetos. Cada artista trabalhará durante dois dias durante a exibição / criação da exposição, entre as 11:00 e as 16:00.
O jardim de inverno em Brookfield Place, 230 Vesey Street, 17 a 29 de abril de 2018.
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Matéria de Sarah Cascone, publicada no site do Artnet (artnet.com), em 23/03/18.

Governo de SP contrata pintura de R$ 85 mil para retrato de José Serra

Contrato foi publicado no Diário Oficial nesta quarta (18/04). Palácio diz que serviço é amparado por lei e obra fará parte de galeria de ex-governadores. A obra, que já está pronta, será inaugurada nos próximos dias e ficará exposta no primeiro andar do Palácio dos Bandeirantes. Matéria publicada originalmente no portal do G1 (g1.com), em 19/04/18. +

O governo de São Paulo contratou, no valor de R$ 85 mil, o serviço de um artista plástico para retratar o ex-governador José Serra (PSDB). O tucano governou o estado de 2007 a 2010.
O contrato está em nome do artista Luiz Gregório Novaes Correia e foi feito no dia 12 de março, com vigência até o final de agosto, mas a publicação no Diário Oficial ocorreu nesta quarta-feira (18).

Procurado pelo G1, o governo disse, em nota, que o serviço está amparado na "Lei Federal Nº 8.666/1993, artigo 25, inciso III, que prevê inexigibilidade de licitação quando houver necessidade de aquisição de trabalho artístico fornecido por produtor exclusivo consagrado pela crítica com notória especialização."

O texto ainda afirma que "Gregório Gruber, como é conhecido no meio artístico, é filho do pintor Mário Gruber, autor de retratos de outros ex-governadores. Gregório dá continuidade e preserva o mesmo estilo estético das obras anteriores."

A obra, que já está pronta, será inaugurada nos próximos dias e ficará exposta no primeiro andar do Palácio dos Bandeirantes.

"O Palácio dos Bandeirantes é também uma Casa Museu, com exposições temporárias e permanentes, como é o caso das pinturas de ex-governadores, expostas ao público no primeiro andar. O quadro está pronto e será inaugurado nos próximos dias. O valor pago pela produção é compatível com o preço praticado no mercado", alega o governo.

A reportagem questionou por qual razão o serviço foi realizado neste momento, uma vez que Serra deixou o cargo há oito anos, mas até a publicação da matéria não tinha obtido resposta.
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Matéria publicada originalmente no portal do G1 (g1.com), em 19/04/18.

Livro reúne obras e revê trajetória de Guido Totoli

O artista completou 80 anos em 2017 e agora ganha um livro, "Arte em Quatro Dimensões", escrito e organizado por Emanuel von Lauenstein Massarani. O lançamento será nesta terça-feira, 24/4, no Shopping JK Iguatemi, às 18h30. Artigo de Pedro Rocha para o jornal "O Estado de S. Paulo" editado em 24/04/2018. +

A quantidade de obras espalhadas impressiona. Em seu ateliê, no Butantã, em São Paulo, o artista plástico Guido Totoli recebe, com conversas bem-humoradas, sorriso no rosto e um café fresco, feito por Pietrina, sua mulher, a equipe de reportagem. Além da oficina onde produz peças de cerâmica, os diversos cômodos do ateliê abrigam ainda inúmeras pinturas, esculturas e desenhos do artista, que completou no ano passado 80 anos de vida e ganha um livro, Arte em Quatro Dimensões, escrito e organizado por Emanuel von Lauenstein Massarani, sobre o seu trabalho ao longo dos anos. O lançamento será nesta terça-feira, 24, no Shopping JK Iguatemi, às 18h30.
Quantos anos de carreira, porém? Guido não sabe dizer. Nascido na vila de Mercato Cilento, na Itália, começou a esculpir criança, com quatro ou cinco anos, segundo contava sua mãe, com a argila abundante nas encostas próximas à sua casa. Arte não era algo comum na região. “Em quilômetros, não se sabe de alguém que esculpisse”, afirma o artista, que, na juventude, estudou desenho, pintura, escultura e cerâmica em Salerno. A vinda para o Brasil se deu na virada de 1959 para 1960, para reencontrar sua então namorada, Pietrina, que havia imigrado para o País com seus irmãos. “Tinha um irmão nos EUA e iria para lá. Mas foi bom não ter ido porque não gosto daquele lugar.”
Guido hoje se sente brasileiro. “Não tenho nada na Itália”, diz. Foi aqui que trabalhou, por décadas, com painéis publicitários. Com arte, trabalhava apenas aos finais de semana e feriado. Só na década de 1990, quando um dos filhos assumiu o comando dos negócios da família, passou a se dedicar integralmente ao seu ateliê. “Nunca me preocupei de um dia valer alguma coisa. Pintava e dava de presente.” Por isso, o artista não sabe, ao certo, quantas obras já fez. “Já estive em lugares em que vi um quadro e pensei que o conhecia de algum lugar. Era meu e já havia esquecido.”
O livro foi uma idealização de Massarani, amigo de Guido há cerca de dez anos, e da filha do artista, Claudia. “Não coloquei um dedo. Praticamente não participei”, assume Totoli, que afirma que a publicação, feita ao longo de dois anos, deve ter apenas cerca de 5% de toda a obra que fez durante a vida. “Sinceramente, não gosto muito dessas coisas. Nunca apareci, nunca fui atrás da mídia. Mas fiquei contente que fizeram, ficou bonito.”
Massarani, que atua como diretor do Instituto de Recuperação do Patrimônio Histórico no Estado de São Paulo, uma Organização da Sociedade Civil de Interesse Público, já realizou várias exposições do trabalho de Guido Totoli. Uma, inclusive, na Assembleia Legislativa de São Paulo, em 2013. “A primeira vez em que estive no estúdio dele, conheci as pinturas, esculturas e cerâmica, fiquei encantado”, revela o autor. Para Massarani, a intenção principal do livro Arte em Quatro Dimensões era organizar a obra de Totoli em temáticas. “Queria separar cada assunto para mostrar a diversidade, a variedade das criações.”
“O maravilhoso é que ele é uma pessoa de idade que não para de progredir ou de estudar”, admira-se Massarani, que possui uma idade próxima, 84 anos. Guido, de fato, não pensa em se aposentar do trabalho como artista. “Nunca passou pela minha cabeça.” Quando se mudou ao Brasil, teve contato com os artistas modernos, como Volpi. Ao longo de quase 60 anos no País, porém, passou por vários estilos, pintando e esculpindo imagens sacras, mitológicas e humanas. “Vai do momento em que você está vivendo, o que pode demorar alguns anos.”
Uma grande preocupação do artista sempre foi deixar o seu estilo próprio registrado. “Sempre pensei em fazer alguma coisa que fosse minha. Mesmo que medíocre, minha”, brinca. Um dos traços mais característicos seus vem das esculturas, que contam sempre com furos, de vários tamanhos e formas. Ele já furava as peças de argila para deixar os gases escaparem, mas sempre reconstituía as figuras. “Um dia fui almoçar. Quando voltei, vi os furos e me deu a ideia.” Segundo Guido, os furos despertam a curiosidade dos espectadores. “Esses furos dizem algo. E com a arte você tem que dizer alguma coisa sempre.”
Para os próximos trabalhos, Totoli planeja algo que invada o mundo metafísico. A primeira criação, ele mostra à reportagem, é uma estátua feminina de duas cabeças. E vários furos, claro. “Nunca fico satisfeito, mas é um lado da arte, você nunca pode estar satisfeito com nada”, acredita ele. “Você tem sempre que ter uma dúvida, algo a mais.”
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Artigo de Pedro Rocha para o jornal "O Estado de S. Paulo" editado em 24/04/2018.


MAM-RJ desiste de vender "Bicho"

Conforme noticiou o colunista Jan Theophilo, do “Jornal do Brasil”, a Coleção Chateaubriand estaria estudando doar um “Bicho” (1960), em alumínio, para o acervo do museu. Em troca, a instituição daria outra escultura de Lygia Clark, “Bicho relógio de sol” (1960-1963), de sua propriedade, para a coleção. Esta seria posta à venda, e o dinheiro, revertido para o MAM. A proposta foi alvo de críticas no meio artístico, principalmente porque a primeira noticia dizia se tratar de um “Bicho relógio...” dourado, característica rara entre as obras da escultora. Ontem, o departamento de Museologia do MAM emitiu uma nota afirmando que a obra é prateada. Nenhuma imagem, porém, foi divulgada. Artigo de Nelson Gobbi para o jornal "O Globo" editado em 17/04/18. +

Após pressão de artistas, galeristas e curadores que assinaram um manifesto contra a venda da tela “Nº 16”, de Jackson Pollock (1912-1956), o Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio se viu em meio a outra polêmica neste fim de semana, quando vazou a notícia de que a instituição negociava uma permuta com a Coleção Chateaubriand, mantida em seu espaço em regime de comodato desde 1993. A troca dizia respeito a duas obras da série “Bichos”, de Lygia Clark (1920-1988).
Conforme noticiou o colunista Jan Theophilo, do “Jornal do Brasil”, a Coleção Chateaubriand estaria estudando doar um “Bicho” (1960), em alumínio, para o acervo do museu. Em troca, a instituição daria outra escultura de Lygia Clark, “Bicho relógio de sol” (1960-1963), de sua propriedade, para a coleção. Esta seria posta à venda, e o dinheiro, revertido para o MAM.
A proposta foi alvo de críticas no meio artístico, principalmente porque a primeira noticia dizia se tratar de um “Bicho relógio...” dourado, característica rara entre as obras da escultora. Ontem, o departamento de Museologia do MAM emitiu uma nota afirmando que a obra é prateada. Nenhuma imagem, porém, foi divulgada.
Em meio à polêmica, Carlos Alberto Chateaubriand, presidente do museu, decidiu suspender a operação. Segundo informações do MAM, todos os esforços serão concentrados na venda do Pollock neste momento. Caso surja algum comprador interessado no “Bicho”, a obra a ser negociada será apenas a que já pertence à Coleção Chateaubriand. De acordo com o museu, a permuta vinha sendo estudada desde o ano passado, antes da decisão de se vender a tela do pintor americano, mas para isso era necessário certificar o “Bicho relógio de sol” junto à família de Lygia Clark, o que só ocorreu recentemente.
A instituição não fala em valores, mas um representante do mercado de artes, que preferiu não se identificar por não ter avaliado as duas obras pessoalmente, diz que, por suas proporções e demanda por obras da autora, “Bicho” e “Bicho relógio de sol” valeriam, respectivamente, R$ 3 milhões e R$ 2 milhões.
— Não acredito que faria diferença colocar a obra em leilão ou fazer uma venda direta. Há uma boa quantidade de Lygia Clark no mercado, esses valores não se alteram tanto assim. Sobretudo em um momento econômico como este — afirma o especialista.
A obra “Bicho relógio de sol” foi doada ao MAM em 1989, e exposta pela última vez no Instituto Tomie Ohtake (São Paulo), na mostra “Artistas do moderno, a invenção da mulher”, realizada entre junho e agosto do ano passado, com curadoria de Paulo Herkenhoff. Já o “Bicho” da Coleção Chateaubriand, está atualmente em exibição no terceiro andar do MAM, na mostra “Guy Brett: A proximidade crítica”, com curadoria de Paulo Venancio Filho, em colaboração com Luciano Figueiredo.
LEILÃO DE POLLOCK DEVE ACONTECER NO BRASIL
Enquanto isso, o museu segue os procedimentos para leiloar a tela “Nº 16”, que poderia render até US$ 25 milhões. Nos planos da instituição, o dinheiro será aplicado num fundo auditado, com parte dos rendimentos anuais voltada para cobrir despesas do museu e renovar parte do acervo. Diante do interesse de compradores brasileiros, a instituição tenta realizar o leilão no país, mesmo que a operação seja conduzida por grandes casas internacionais, como Christie’s, Sotheby’s ou Phillips.
Signatário do manifesto contra a venda da tela de Jackson Pollock, Luiz Camillo Osório, curador do MAM entre 2009 e 2015, acredita que as polêmicas envolvendo os acervos do museu (tanto o próprio como as coleções Chateaubriand e Joaquim Paiva, em regime de comodato) dificultam a atração de novos doadores e mantenedores.
— A crise no MAM é antiga, e não há dúvidas de que a situação econômica do Rio é muito diferente da de São Paulo. Mas uma governança mais aberta à sociedade poderia atrair mais investidores — comenta Osório. — Doações das próprias coleções em comodato, mesmo que simbólicas, poderiam dar visibilidade à tentativa de reerguer a instituição, antes de uma decisão tão drástica quanto a venda do Pollock.
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Artigo de Nelson Gobbi para o jornal "O Globo" editado em 17/04/18.


Moscou envia a Londres um Monet para exposição na National Gallery

Apesar das tensões políticas, o Museu de Pushkin em Moscou emprestou o quadro “Boulevard des Capucines, Paris”, de Claude Monet, para participar da mostra "Monet and Architecture" na National Gallery de Londres. A obra de 1873 fará parte dos 70 trabalhos que retratam as cenas de rua de Paris, as Casas do Parlamento, o Palácio Ducal e os elegantes hotéis à beira-mar em Trouville. Um porta-voz da National Gallery disse que está satisfeito que os colegas do museu russo tenham emprestado o trabalho, “o que demonstra que a cultura transcende todas as fronteiras”. Matéria de Javier Pes para o portal do Artnet (www.artnet.com), em 06/04/18. +

As relações entre o Reino Unido e a Rússia passaram de ruins a tóxicas depois do envenenamento de um ex-espião russo e de sua filha em uma catedral inglesa. Mas o novo programa da National Gallery, "Monet and Architecture", oferece um raio de luz. A exposição inclui uma pintura de Monet que vem de Moscou, entre as 70 obras que retratam as cenas de rua de Paris, as Casas do Parlamento, o Palácio Ducal e os elegantes hotéis à beira-mar em Trouville.

O Pushkin State Museum of Fine Arts emprestou o quadro “Boulevard des Capucines, Paris”, um dos primeiros trabalhos de 1873, que Claude Monet exibiu na primeira exposição impressionista de todos os tempos no ano seguinte. “A pintura chegou há cerca de uma semana”, diz o curador da exposição, Richard Thomson, à agência de notícias Artnet News, para seu alívio.

Um porta-voz da National Gallery disse que está satisfeito que os colegas do Museu Pushkin tenham emprestado o trabalho, “o que demonstra que a cultura transcende todas as fronteiras”.

Thomson não é um estranho para chegadas inesperadas de empréstimos. O professor de belas artes da Universidade de Edimburgo curou ou co-curou uma dúzia de exposições nas últimas três décadas, que foram vistas por cerca de 5 milhões de pessoas. Foi enquanto trabalhava no blockbuster do Grand Palais “Monet, 1840-1926”, em 2010, onde que surgiu a ideia de olhar para as relações do artista com a arquitetura. "É um caminho para Monet que não foi feito antes", diz ele sobre o artista, mais conhecido por pintar seu jardim em Giverny e palheiros nos campos próximos do Tâmisa em Waterloo e Charing Cross.

A exposição termina com cinco pinturas da Catedral de Rouen e obras que o artista pintou em Veneza, pouco antes da eclosão da Primeira Guerra Mundial.

Durante a Grande Guerra, Monet, de 76 anos, “aproveitou a oportunidade” quando pediu oficialmente para pintar a catedral de Reims - ou o que sobrou depois de três anos de bombardeio do exército alemão.
"Como um bom e patriota francês", ele estava ansioso para aceitar a missão, diz Thomson. Mas os ataques diários de artilharia a tornaram impossível. Em vez disso, ele pintou sua última grande obra, um ciclo de pinturas monumentais dos nenúfares em Giverny, que se tornou um moderno memorial de guerra no Musée de l'Orangerie, construído em Paris.
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Matéria de Javier Pes para o portal do Artnet (www.artnet.com), em 06/04/18.

Masp vende edição limitada de cem cavaletes de cristal de Lina Bo Bardi

Retiradas do espaço expositivo em 1996, as peças voltaram ao museu em 2015 —e agora, prestes a completar 50 anos, podem ganhar espaço também em coleções particulares. Artigo de Marina Consiglio para o jornal "Folha de S. Paulo" editado em 14/04/18 +

Formados por uma base de concreto e uma chapa de vidro transparente, os cavaletes desenhados pela arquiteta ítalo-brasileira Lina Bo Bardi (1914-1992) junto ao Masp na avenida Paulista, tornaram-se ícones do projeto da instituição, inaugurada em 1968.
Retiradas do espaço expositivo em 1996, as peças voltaram ao museu em 2015 —e agora, prestes a completar 50 anos, podem ganhar espaço também em coleções particulares.
Para celebrar a efeméride, o Masp, em parceria com o Instituto Bardi, produziu e pôs à venda uma edição limitada de cem cavaletes de cristal. As peças foram adaptadas pelo escritório Metro Arquiteto Associados conforme o projeto original de Lina. É a primeira vez que o museu faz algo do tipo.
"A ideia surgiu do desejo de oferecer à sociedade um dos objetos mais simbólicos do museu com os quais as pessoas sempre nos disseram ter uma relação afetiva", explica Lucas Pessôa, diretor de operações do Masp.
O lançamento dos produtos ocorreu na última quarta-feira (11), na abertura da SP-Arte. Até o fechamento desta edição, foram vendidas 22 obras, cada uma no valor de R$ 10 mil.
A renda arrecadada pela venda dos dispositivos será revertida para as atividades e os projetos do Masp. Uma porcentagem será direcionada ao Instituto Bardi.
As peças podem ser adquiridas até este domingo (15) na SP-Arte —as remanescentes irão para a loja do museu. Não há previsão de lançamento de novas peças.
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Artigo de Marina Consiglio para o jornal "Folha de S. Paulo" editado em 14/04/18


Caixa Cultural Rio vai fechar as portas

O Governo Federal vai fechar o espaço que inclui dois cinemas, três galerias, um teatro e uma livraria, na região central do Rio de Janeiro. A programação já agendada para este ano deve ser levada ao outro espaço da Caixa, na Avenida Chile. Matéria de Maria Fortuna publicada originalmente no site do jornal “O Globo”, em 18/04/18. +

O Governo Federal vai fechar a Caixa Cultural Rio, espaço que inclui dois cinemas, três galerias, um teatro e uma livraria, no Centro. Os funcionários ficaram sabendo da notícia em uma reunião que aconteceu na terça-feira (17).

Por causa do alto valor do aluguel do prédio que ocupa na Avenida Almirante Barroso, a Caixa Econômica Federal terá toda a sua parte administrativa transferida para um imóvel na Rua do Passeio (o que deve acontecer até o dia 31 de agosto), e o novo espaço não tem estrutura para abrigar o centro cultural da instituição.

A programação já agendada para este ano deve ser levada para o Teatro Nelson Rodrigues, na Avenida Chile, Centro, que também pertence à Caixa. A instituição tem unidades culturais espalhadas por Brasília, Curitiba, Salvador, Fortaleza, São Paulo e Recife.

Procurada pelo blog, a Caixa Cultural Rio não retornou até o momento.
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Matéria de Maria Fortuna publicada originalmente no site do jornal “O Globo”, em 18/04/18.

Embaixada do Brasil em Londres revive mostra de arte moderna brasileira

A Embaixada do Brasil em Londres abre este mês a mostra “A Arte da Diplomacia: Modernismo Brasileiro Pintado para a Guerra”, que revive a histórica exposição de arte moderna brasileira de 1944, e reuniu artistas brasileiros na cidade durante a Segunda Guerra Mundial. "Os britânicos esperavam uma arte ingênua e colorida", mas em vez disso, eles descobriram trabalhos de ponta feitos por Amaral, Candido Portinar e Roberto Burle Marx, entre outros. Eles também foram surpreendidos por uma exposição fotográfica da moderna arquitetura brasileira, incluindo imagens de alguns dos primeiros trabalhos de Oscar Niemeyer. Matéria de Javier Pes, publicada originalmente no site do Artnet News (artnet.com) em 03/04/18. +

Nos dias mais sombrios da Segunda Guerra Mundial, os principais artistas brasileiros iluminaram as paredes da Royal Academy of Arts (RA) de Londres e da Whitechapel Gallery com uma exposição de arte moderna de levantar os ânimos. Agora, três anos de pesquisas de Hayle Gadelha, adido cultural do Brasil em Londres, resultaram em uma exposição reunindo 24 obras pela primeira vez desde 1944. Tarsila do Amaral, atualmente tema de uma exposição individual no Museu de Arte Moderna de Nova York Art (MoMA), participa com duas telas, uma das quais foi emprestada por um colecionador particular no Brasil.

No total, 70 artistas brasileiros doaram mais de 160 obras, que sobreviveram à perigosa viagem em tempo de guerra através do Atlântico, até a exposição original. O produto de sua venda ajudou membros feridos da Royal Air Force ou de suas viúvas. Chamada de “A Arte da Diplomacia: Modernismo Brasileiro Pintado para a Guerra”, a mostra começa na embaixada brasileira em Londres na sexta-feira, 6 de abril (até 22 de maio).

A Tate poderia ter conseguido um trabalho de um mestre modernista por uma música. O rico colecionador britânico e patrono de arte Peter Watson comprou uma pintura de Amaral por seis libras (oito dólares), Gadelha diz à artnet News. A Tate adquiriu seu primeiro trabalho de arte moderna brasileira graças à mostra.

Infelizmente, o trabalho é uma "pintura estereotipada de um artista obscuro", diz ele. Gadelha rastreou a pintura raramente mostrada de Cardoso Júnior, de uma cena de praia no Tate, juntamente com outras obras que estão agora em coleções públicas em todo o Reino Unido para a exposição que ele co-organizou com Adrian Locke da Royal Academy.

Na década de 1940, o RA era um local incomum para qualquer mostra de arte moderna. Seu presidente, Alfred Munnings, zombou de artistas não tradicionais, especialmente se eles eram estrangeiros. Picasso, cujo nome ele normalmente escreveu “Piccasso”, era um alvo especial do ultraje de Munnings. A hostilidade à arte de vanguarda foi suspensa, pois o Brasil agora era um aliado.

"Os britânicos esperavam uma arte ingênua e colorida", diz Gadelha. Em vez disso, eles descobriram trabalhos de ponta feitos por Amaral, Candido Portinar e Roberto Burle Marx, entre outros. Eles também foram surpreendidos por uma exposição fotográfica da moderna arquitetura brasileira, incluindo imagens de alguns dos primeiros trabalhos de Oscar Niemeyer.

As duas exposições enviadas a Londres expressaram a solidariedade do Brasil com os Aliados, depois que o Brasil encerrou sua neutralidade em 1942. Mais de 25.000 soldados e aviadores ajudaram a derrotar a Alemanha nazista e sua marinha lutaram na Batalha do Atlântico. Houve exposições paralelas enviadas ao MoMA durante a guerra. Depois do Reino Unido, as exposições de arte e arquitetura viajaram para Paris e ajudaram a lançar a UNESCO na capital francesa. “O Brasil queria ter um papel maior no cenário mundial”, diz Gadelha.
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Matéria de Javier Pes, publicada originalmente no site do Artnet News (artnet.com) em 03/04/18.