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Após protesto da ONG ACT UP, Whitney chama a atenção para epidemia da AIDS

Museu nova-iorquino adicionou novo texto sobre a participação de David Wojnarowicz na ONG ACT UP na retrospectiva organizada sobre a obra do artista. Desde a abertura da mostra aclamada pela crítica, em julho, a ACT UP organizou duas demonstrações no museu, chamando a atenção para o fato de que a crise da Aids ainda está em andamento e não se trata de um evento histórico. Artigo de Sarah Cascone para o portal internacional de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 6/8/2018. +

O Whitney Museum of American Art, em Nova York, adicionou um novo texto sobre a participação de David Wojnarowicz na ONG ACT UP, na retrospectiva organizada sobre a obra do artista. Desde a abertura da mostra aclamada pela crítica, em julho, a ACT UP organizou duas demonstrações no museu, chamando a atenção para o fato de que a crise da Aids ainda está em andamento, e não se trata de um evento histórico.
No sábado, a ACT UP twittou uma foto do texto atualizado para a serigrafia “Untitled (ACT UP)”, de 1990, chamando-o de “grande vitória”.
O grupo criticou o que caracterizou como falha do museu em informar inadequadamente os visitantes sobre o que é a AIDS em 2018 e sobre os esforços contínuos para combater a doença. Anteriormente, a exposição não mencionava o envolvimento de Wojnarowicz com a ACT UP, e o trabalho de 1990, que foi criado para beneficiar a ACT UP, foi acompanhado de “apenas uma simples descrição”, segundo um comunicado do grupo.
Apesar do fato de Wojnarowicz ter morrido de Aids e frequentemente ter abordado a doença em seu trabalho, “a exposição não faz conexões explícitas com a atual crise da AIDS dentro da exposição”, escreveu o grupo.
“Em uma exposição excelente, esta é uma supervisão que se enquadra em um padrão de instituições de artes historicizando o ativismo do passado, mesmo quando há lutas contemporâneas quase idênticas.”
O texto foi atualizado na semana passada, em resposta a um protesto da ACT UP no Whitney em 27/7/18, no qual os membros seguravam artigos recentes sobre a AIDS, formatados no estilo do texto da exposição, ao lado do trabalho de Wojnarowicz.
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Artigo de Sarah Cascone para o portal internacional de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 6/8/2018.

Autoridades russas pedem a destruição de uma obra de arte digital

Ativistas na Rússia protestam contra a recente ordem das autoridades russas de destruir uma cópia digital do coletivo de arte Rodina. "9 Estágios na Decomposição do Líder" (2015) é uma impressão de nove imagens de lapso de tempo mostrando um retrato oficial do presidente sobre uma caixa de sementes. Artigo de Christopher Marcisz para o site https://hyperallergic.com/453612/rodina-9-stages-in-the-decomposition-of-the-leader-2015/ +

Naquele que pode ser o primeiro caso recente de um pedido de destruição de uma obra de arte específica por parte de autoridades russas, um tribunal de São Petersburgo está no meio de um apelo no pedido de destruição de uma obra que mostra a desintegração de uma foto do presidente Vladimir Putin.
É improvável que artistas e ativistas envolvidos no caso tenham sucesso nos tribunais, mas eles dizem que é uma oportunidade inestimável para discutir a censura na Rússia hoje. O trabalho condenado, "9 Estágios na Decomposição do Líder", é uma impressão de nove imagens digitais com um lapso de tempo que mostram um retrato oficial do presidente russo sobre uma caixa de sementes. Cada imagem documenta a desintegração do retrato de Putin pela grama que cresce através dela. Uma impressão emoldurada foi realizada pela artista e ativista Varya Mikhailova quando ela e um grupo de ativistas da oposição e LGBT se juntaram a uma marcha sindical no dia 1º de maio último na Nevsky Prospekt em São Petersburgo.
Depois de meia hora de marcha, os artistas foram abordados por um organizador que exigiu saber se a imagem foi “aprovada”. Pouco depois, a polícia chegou e ela e outras pessoas foram detidas.
Eles foram liberados depois de algumas horas, mas a impressão emoldurada não foi retornada. Em uma audiência em 8/6/18 no Tribunal do Distrito de Kuibyshev, Mikhailova foi acusada de ter participado “não de acordo com o propósito declarado da marcha”, e foi multadA em 160.000 rublos (US$ 2.500). A impressão foi destruída. Ela e seus advogados recorreram, citando as proteções da Convenção Européia dos Direitos Humanos para a Liberdade de Rreunião Ppacífica e a Proteção de Bens Pessoais. "A coisa engraçada com a decisão da corte de 'destruir' nossa arte é que ela é digital, então a destruição física não significa nada", disse Max Evstropov, membro do coletivo de arte Rodina, que criou o trabalho. “Esse enorme estado policial é bastante estranho."
Os ativistas rapidamente entraram em ação, imprimindo a imagem em pôsteres, camisetas e sacolas e vendendo-os on-line. Até agora eles dizem que fizeram o suficiente para cobrir a multa de Mikhailova.
A imagem real foi criada em 2015. Evstropov disse que foi concebida como uma alusão à gravura “Corpo de uma Cortesã em Nove Estágios” (“A Study in Decomposition”, c. 1870), do artista japonês do século XIX Kobayashi Eitaku, sobre a inevitável vitória da natureza e da decadência sobre atribuições humanas de beleza e de valor.
O trabalho criado por Rodina vê algo semelhante na evolução política da Rússia. "Esta ação é uma expressão de esperança para uma lenta, mas inevitável, mudança na situação a partir de baixo, por meio de uma infinidade de pequenas ações", Evstropov escreveu em um e-mail para o site “Hyperallergic”. "Isso reflete que os espíritos baixos e a doença até a morte tão característicos da sociedade russa dos últimos anos: não há revolução para esperar, e a esperança de mudança não está mais associada aos atos humanos".
A impressão da obra agora sob custódia foi vendida em um leilão em 2017 para apoiar um espaço de trabalho colaborativo em São Petersburgo. O primeiro proprietário colocou-o em um quadro e depois o vendeu novamente pela mesma causa, alguns meses depois, e foi assim que Mikhailova o comprou.
A natureza subversiva do trabalho e o universo de ironia que tropeçou como resultado do caso é um reflexo de como jovens artistas e ativistas estão respondendo ao atual clima político. Angelina Lucento, professora assistente de arte e história cultural na Escola Superior de Economia de Moscou, disse que o trabalho é motivado não tanto pela falta de esperança, mas pelo desespero, já que outras vias de ação política foram cortadas. “O que você vê nessa nova geração de artistas contemporâneos é mais uma desilusão com protestos em massa como um tipo de resistência política”, disse ela. "Há uma sensação de que não é o meio mais eficaz de tomar, e você vê um verdadeiro impulso criativo para explorar e implementar outras formas de resistência."
Enquanto o mercado de arte e o sistema de galerias russas cresceram desde o fim da União Soviética, a tradição da arte baseada em desempenho conceitual continua vibrante. Isso incluiu ações de alto nível de grupos como Pussy Riot (famoso por sua ação em uma catedral e a resposta pesada, e, apenas neste mês, atrapalhando a final da Copa do Mundo), assim como artistas como Petr Pavlensky (famoso por se pegar aos paralelepípedos da Praça Vermelha e incendiar a porta da frente da sede da polícia secreta russa). Grupos como Rodina ("Pátria", em russo) fazem parte desse esforço para encontrar outros meios de protesto. O grupo surgiu no outono de 2013, depois que a última onda de oposição de massas pareceu desvanecer-se. Houve manifestações no final de 2011, após as eleições parlamentares, e em 2012, quando Putin voltou cinicamente para a presidência depois de trocar com o assento Dmitry Medvedev. Esse momento culminou em uma manifestação em massa na Praça Bolotnaya, em Moscou, durante os dias da posse de Putin, mas desvaneceu-se depois.
Evstropov, um filósofo de formação, fundou o grupo com Darya Apahonchich, uma filóloga que posou para a campanha online de venda das camisetas, e Leonid Tsoi, um psicoterapeuta, para debater ideias sobre o hiperpatriotismo da Rússia através da “arte social performativa, campo e estudos experimentais de patriotismo, linguagem e instituições de poder." "Os protestos em massa já haviam encolhido, mas ainda sentíamos a necessidade de agir", disse Evstropov.
“Há uma dose de humor negro em nossas atividades. Não oferecemos esperança, mas nosso trabalho é terapêutico de alguma forma”. Entre suas ações, houve uma marcha no outono de 2016 que subverteu a retórica de celebração nacional e otimismo que caracterizou o Primeiro de Maio na União Soviética, quando as pessoas marchavam em dias de primavera com flores e cartazes com palavras esperançosas como “Paz - Trabalho”. Na versão do Rodina, eles se reuniram em um dia sombrio de outono com sinais muito menos otimistas:“ Guerra - Desemprego - Novembro! Ai! Vamos aguentar! Nascido. Sofreu. Morreu."
Em 2017, o grupo lançou um projeto para criticar a crescente politização de mortos de guerra, especificamente um projeto nacional chamado "Regimento Imortal", no qual pessoas marcham carregando fotos de membros da família que serviram ou morreram na Segunda Guerra Mundial, como uma afirmação de orgulho e poder nacional. O “Partido dos Mortos” imagina o falecido como um grupo social majoritário excluído do poder político, mas agora dando voz às suas demandas vagas, mas irresistíveis.
"Os mortos são o proletariado final, e nosso partido visa capacitá-los", disse Evstropov. Vestem-se de preto e pintam seus rostos de branco, implantam um monte de imagens do estilo “Dia dos Mortos” e gritam slogans como “Seu futuro somos nós!” “Um povo unido - na morte!” E “Quem não está com nós, ainda não está conosco!”
Mikhailova estava marchando com outros membros do Partido dos Mortos no desfile do Primeiro de Maio e trouxe a impressão de “9 Estágios” para casa porque ela achava que era apropriado para o tema. A maioria das ações e trabalhos do grupo são divulgados através das redes sociais, geralmente no Facebook e na alternativa russa, VKontakte. E enquanto eles tiveram alguns contratempos com as autoridades, Evstropov disse que este caso é a maior atenção que eles receberam do Estado. Ele disse ao “Hyperallergic” que a pressão muitas vezes não vem das autoridades, mas de instituições simpatizantes que querem evitar problemas. "O medo e a censura são coisas que a arte politicamente engajada na Rússia enfrenta com frequência", disse ele. “A outra coisa perigosa que artistas e ativistas enfrentam é a exaustão e a perda da vontade de fazer qualquer coisa.”
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Artigo de Christopher Marcisz para o site https://hyperallergic.com/453612/rodina-9-stages-in-the-decomposition-of-the-leader-2015/

Villa Savoya de Le Corbusier afunda em fiorde dinamarquês

“Modernidade Inundada” é uma das 10 obras em exposição no Festival de Arte Flutuante no Fiorde de Vejle, um evento de arte e arquitetura organizado pelo Museu Vejle, na Dinamarca. A escultura de Havsteen-Mikkelsen é uma réplica de 1: 1 de um canto da Villa Savoye de Le Corbusier que aparece parcialmente submersa, como se o prédio estivesse afundando na água. Artigo de Bloco Índia editado em 1/8/2018 no portal da revista “Dezeen” (https://www.dezeen.com/2018/08/01/le-corbusiers-villa-savoye-sunk-danish-fjordasmund-havsteen-mikkelsen-installation/) +

O artista Asmund Havsteen-Mikkelsen afundou uma maquete em tamanho natural de um dos edifícios mais famosos de Le Corbusier em um fiorde dinamarquês, como uma declaração sobre o voto do Brexit e a eleição de Donald Trump. “Modernidade Inundada” é uma das 10 obras em exposição no Festival de Arte Flutuante no Fiorde de Vejle, um evento de arte e arquitetura organizado pelo Museu Vejle, na Dinamarca. A escultura de Havsteen-Mikkelsen é uma réplica de 1: 1 de um canto da Villa Savoye de Le Corbusier que aparece parcialmente submersa, como se o prédio estivesse afundando na água.
Segundo o artista, a obra é um símbolo de como os valores da modernidade foram inundados pela tecnologia. Varias eleições recentes foram envolvidas em escândalos, com a manipulação digital que influenciou a eleição de Trump e o voto britânico para deixar a União Européia. "O surgimento de novas tecnologias digitais junto com o smartphone permitiu o surgimento de uma nova situação", disse Havsteen-Mikkelsen a Dezeen. "Cada usuário se tornou sua própria plataforma de mídia, permitindo assim o direcionamento de informações específicas através do desenvolvimento de algoritmos psicométricos".
O governo russo também é acusado de interferir nas eleições presidenciais de 2016, usando plataformas de mídia social para representar cidadãos dos EUA, minando Hillary Clinton e promovendo Trump.

"Acho que os russos e a Cambridge Analytica foram espertos o suficiente para ver o potencial dos perfis psicométricos para influenciar e manipular os eleitores pela internet. Através dessa intromissão, um certo senso de democracia afundou", disse o artista.

O arquiteto suíço-francês Le Corbusier criou o movimento modernista na arquitetura, e Villa Savoye é uma de suas obras mais famosas. Construída em Poissy, na França, em 1931, foi a manifestação de seus ideais puristas que rejeitavam a ornamentação desnecessária em favor de linhas brancas e interiores de plano aberto. O arquiteto elogiou muitas vezes o design de transatlânticos e incorporou seus elementos de design em seu trabalho, então afundar um de seus edifícios mais icônicos é uma alegoria pungente. Uma barca construída por Le Corbusier como um abrigo para sem-teto em 1910 na verdade afundou em Paris no início deste ano após a inundação do Sena. Planos estão em andamento para re-flutuar o barco e continuar a restaurá-lo para que ele possa se tornar um museu. O próprio Le Corbusier afogou-se no Mediterrâneo ao largo da costa sul da França em 1965.
Para Havsteen-Mikkelsen, que pinta e desenha a Villa Savoye há uma década, a obra-prima de Le Corbusier incorpora os valores essenciais do modernismo. "Isso encapsulou um sentido e um uso da razão crítica como forma de criar um mundo melhor", explicou ele.
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Artigo de Bloco Índia editado em 1/8/2018 no portal da revista “Dezeen” (https://www.dezeen.com/2018/08/01/le-corbusiers-villa-savoye-sunk-danish-fjordasmund-havsteen-mikkelsen-installation/)

Extrema-direita italiana quer censurar cartaz de Marina Abramović

A artista plástica Marina Abramović criou um cartaz para um evento italiano de vela, mas a extrema direita quer censurá-lo como "propaganda política. Texto de Sarah Cascone para o portal internacional de arte Artnet (www.artnet.com) editado em 13/08/2018. +

Pode um cartaz de Marina Abramović criado para a regata de Barcolana, em Trieste, na Itália, ser demasiado político? O desenho, revelado em julho, mostra a artista acenando uma grande bandeira branca dizendo “Estamos todos no mesmo barco”.

Agora, o cartaz está sob o fogo do vice-prefeito de Trieste, Paolo Polidori, do partido de extrema-direita Lega, por se assemelhar à imagem comunista do Mao Tsé-Tung da China - e por sua percepção da mensagem pró-imigração.
“É inaceitável, de mau gosto, imoral fazer propaganda política a partir de um evento, o Barcolana, que pertence a toda a cidade”, escreveu Polidori no Facebook, conforme relatado pelo “Art Newspaper”.

Fundada em 1969, a regata, que acontece na costa de Trieste de 5 a 14 de outubro, é um dos maiores eventos de vela do mundo, com cerca de 2.000 barcos. Todos os anos, o Barcolana encomenda a um artista diferente o cartaz do evento. A criação de Abramović, uma colaboração com a marca de café Illy, representará a 50ª edição da regata.

De acordo com Barcolana, a mensagem do cartaz pretende "enfatizar um aspecto simples, mas crucial: mesmo em barcos diferentes, quando competimos pelo melhor resultado, navegamos no mesmo planeta, que precisa ser protegido e protegido diariamente".

Não é o ambientalismo que ofende Polidori, no entanto. Ele vê um significado diferente, que condena a recente decisão do partido Lega, anunciada pelo ministro das Relações Exteriores e líder partidário Matteo Salvini, de fechar os portos italianos aos navios de resgate de imigrantes.
O slogan do cartaz é, sem dúvida, de solidariedade, mas não é muito difícil sugerir que Abramović possa querer que os espectadores sejam mais solidários com os migrantes, dada a atual crise de refugiados. Mesmo a regata em si não descartou que o cartaz possa ter outros significados. "Todos darão sua própria interpretação do conteúdo", disse o presidente do Barcolana, Mitja Gialuz, em um comunicado no momento da apresentação do cartaz.

Polidori pediu a proibição do uso do cartaz e exigiu que ele fosse removido de todos os convites e materiais promocionais para a regata. Se suas exigências não forem atendidas, disse Polidori ao “La Repubblica”, o conselho da cidade retiraria seu financiamento de € 30 mil euros ao evento.
Se os esforços de censura de Polidori foram ou não bem-sucedidos, ainda não está claro. De acordo com o “Art Newspaper”, o político recentemente escreveu no Facebook que “o cartaz é um trabalho horrível e enganadoramente político, não estará presente no território de Trieste.” A regata enviou ao vice um comunicado de imprensa insistindo que, pelo contrário, o pôster não está sendo censurado e será usado como planejado.

No momento da publicação, Abramović não respondeu à solicitação da “Artnet News” para comentários.
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Texto de Sarah Cascone para o portal internacional de arte Artnet (www.artnet.com) editado em 13/08/2018.

David Zwirner contrata influenciadora de mídia para reinventar vendas online

O galerista comparou o site da galeria com o "sexto espaço da galeria". E trouxe Elena Soboleva para liderá-lo. Artigo de Henri Neuendorf para o portal e arte Artnet (ww.artnet.com) editado em 3/8/2018. +

Se as vendas de arte on-line são realmente a próxima fronteira para as galerias, por que não tratar o pessoal dos sites das galerias como qualquer outro posto avançado físico?
Essa parece ser a lógica por trás da mais recente contratação de David Zwirner. A mega-galeria trouxe à influenciadora de mídia social Elena Soboleva como seu primeiro diretor de vendas on-line.
Em uma indústria que tem sido notoriamente lenta para inovar, a galeria recebeu recentemente um papel de liderança no desenvolvimento de iniciativas digitais e passou a pensar estrategicamente sobre como expandir seus negócios on-line.
No ano passado, lançou uma sala de visualização on-line e um podcast. Zwirner disse recentemente ao Wall Street Journal que 30% dos clientes compram obras "exclusivamente com base em imagens enviadas por e-mail", enquanto um representante da galeria estima que de três a cinco por cento das vendas agora são conduzidas digitalmente.
Com a nomeação de Soboleva, a galeria espera expandir esse número. "O espaço digital é uma extensão natural da vitrine da galeria", disse Soboleva - que, com 13.900 seguidores no Instagram, não está acostumada a causar impacto on-line - disse em um e-mail à Artnet News.
“O mundo da arte está crescendo on-line com galerias e casas de leilão percebendo o valor do digital para alcançar um vasto público global e ter uma melhor compreensão de seus colecionadores… Na atual era, um programa on-line robusto e estratégia dedicada é essencial no mundo da arte e só continuará a aumentar em importância e alcance. ”
Em vez de se concentrar em garantir vendas individuais, Soboleva será encarregada de otimizar a operação de vendas on-line da galeria como um todo. De acordo com a galeria, ela irá organizar e gerenciar a sala de visualização online, uma parte protegida por senha do site de David Zwirner, onde os clientes podem inspecionar imagens de alta resolução de obras de arte e explorar apresentações digitais temáticas. Seu papel também se estenderá ao trabalho com a equipe sênior e contatos de artistas para otimizar a presença on-line da galeria em todos os lugares. Em uma declaração por e-mail para a Artnet News, David Zwirner comparou a sala de exibição ao seu sexto espaço de galeria.
“Historicamente, quando abrimos uma nova galeria, trazemos novos funcionários para dirigir e administrar o espaço”, explicou ele. “Eles então trabalham em sintonia com nossa equipe existente para moldar a programação adequada e bem-sucedida dentro dessa configuração específica, ao mesmo tempo em que se alinha com a programação global. O papel de Elena seguirá a mesma abordagem. ” Com formação em arte contemporânea e economia, Soboleva iniciou sua carreira na Artsy em 2012, primeiro como especialista em arte contemporânea e gerente de relações com colecionadores e, mais tarde, como curadora principal dos projetos especiais da Artsy.
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O galerista comparou o site da galeria com o "sexto espaço da galeria". E trouxe Elena Soboleva para liderá-lo. Artigo de Henri Neuendorf para o portal e arte Artnet (ww.artnet.com) editado em 3/8/2018.

Obra com nomes de refugiados e migrantes é destruída na Bienal de Liverpool

A lista, que fazia parte da Bienal de Liverpool, desapareceu dos outdoors da cidade. Outras versões da obra “The List” (A Lista) já foram expostas em outras cidades, como Amsterdã. Artigo de Helen Pidd para o jornal inglês “The Guardian”. https://www.theguardian.com/uk-news/2018/aug/01/artwork-listing-dead-refugees-and-migrants-is-destroyed-liverpool-biennial +

A obra mostra 34.361 nomes de refugiados e migrantes que perderam suas vidas tentando chegar à Europa e foi destruído em Liverpool. A lista, que o “The Guardian” publicou em um suplemento especial em junho, foi produzida para o Dia Mundial do Refugiado.
A organização do evento twitou: “Ficamos surpresos ao ver a maioria da Lista removida da Great George Street neste domingo. Você ou alguém que você conhece viu alguma coisa? Você sabe por que foi removido? Ajude-nos a descobrir o que aconteceu!”
Algumas pessoas sugeriram que algum trabalhador possa ter confundido a obra de arte com propaganda ilegal e o tenha retirado, mas um porta-voz do Conselho da cidade de Liverpool disse que tinha verificado e estava 100% certo de que a lista não havia sido removida por ninguém da administração da cidade.
A lista foi publicada em painéis com a permissão da cidade. Eles estavam tentando ver as imagens das câmeras para tentar capturar o culpado, disse o porta-voz do Conselho.
Compilado e atualizado todos os anos pela United for Intercultural Action, uma rede antidiscriminação de mais de 560 organizações em toda a Europa, a lista rastreia informações relativas à morte de 34.361 refugiados e migrantes que perderam suas vidas dentro ou nas fronteiras da Europa desde 1993.
Em colaboração com artistas e instituições de arte, o artista Banu Cennetoğlu, da Turquia, produz versões atualizadas e traduzidas do “The List” desde 2007, utilizando espaços públicos como outdoors, redes de transporte e jornais.
A Bienal de Liverpool disse em um comunicado: “É oportuno e importante tornar público a obra “The List” durante uma crise global de refugiados. Ficamos desanimados ao ver que tinha sido removido na noite de sábado e gostaria de saber por quê. “A Lista” foi aclamada pela crítica e estamos fazendo tudo o que podemos para restabelecê-la ”.
A Liverpool Biennial é o maior festival de arte visual contemporânea do Reino Unido. A cada dois anos, ela encomenda artistas internacionais para fazer e apresentar trabalhos no contexto de Liverpool em espaços públicos, galerias, museus e on-line.
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Artigo de Helen Pidd para o jornal inglês “The Guardian”. https://www.theguardian.com/uk-news/2018/aug/01/artwork-listing-dead-refugees-and-migrants-is-destroyed-liverpool-biennial

Israel libera grafiteiro italiano preso por mural que retrata Ahed Tamimi

A polícia israelense libertou no final de julho último um conhecido grafiteiro italiano preso por pintar um gigantesco mural da adolescente ativista palestina Ahed Tamimi no muro israelense em Belém, na Cisjordânia ocupada. Artigo de Alice Cuddy para o portal Euronews com colaboração da Agence France Presse. www.euronews.com/2018/07/29/israel-arrests-italian-street-artist-painting-mural-of-palestinian-teen-ahed-tamimi +

A polícia israelense libertou no final de julho último um conhecido grafiteiro italiano preso por pintar um gigantesco mural da adolescente ativista palestina Ahed Tamimi no muro israelense em Belém, na Cisjordânia ocupada.

Agostino Chirwin, mais conhecido pelo pseudônimo Jorit Agoch, foi preso ao lado de outro cidadão italiano e de um palestino. "Os dois italianos suspeitos de vandalizar a cerca de segurança na região de Belém" foram libertados, disse a polícia israelense em um comunicado. "Mas seus vistos foram cancelados e eles devem deixar Israel dentro de 72 horas ... se eles não cumprirem, serão expulsos", acrescentou o comunicado. A polícia disse que o suspeito palestino também foi libertado porque não estava fortemente envolvido em suas atividades.

"Jorit foi libertado e foram iniciados os procedimentos para deportar Jorit para a Itália", confirmou à Euronews Antonio Sabino, o prefeito de Nápoles, onde Jorit mora. Ele disse que não tinha nenhuma informação sobre o outro italiano preso. O Ministro das Relações Exteriores da Itália, Enzo Moavero Milanesi, disse em comunicado na noite de domingo que "aprendeu com alívio" que os dois italianos poderão retornar à Itália. Jorit é conhecido por seus murais de figuras públicas e ativistas.

Ele estava trabalhando em um mural de quatro metros de Tamimi - uma ativista de 17 anos que foi libertada no domingo depois de passar oito meses na prisão por dar tapas e chutes a um soldado israelense, segundo relatos de testemunhas oculares. O repórter local Shafee Hafez disse à Euronews que viu os dois italianos e o ativista palestino sendo presos.

Um comunicado da polícia disse que o trio foi preso "por suspeita de danificar e vandalizar a cerca de segurança na área de Belém". O grupo, cujos rostos estavam mascarados, "desenhou ilegalmente na parede, e quando os policiais da fronteira tomaram medidas para prendê-los, eles tentaram escapar em seu carro, que foi parado pelas forças", acrescentou o comunicado. Jorit escreveu sobre sua prisão no Facebook, dizendo: "Quem pode nos ajudar, por favor, faça". Mais de 4.000 pessoas reagiram ao post, enquanto muitos compartilharam a hashtag #freejorit ao lado de fotos de seu trabalho no Twitter.

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Artigo de Alice Cuddy para o portal Euronews com colaboração da Agence France Presse. http://www.euronews.com/2018/07/29/israel-arrests-italian-street-artist-painting-mural-of-palestinian-teen-ahed-tamimi

“Gauguin: Viagem ao Taiti” é imagem sombria do artista sob o sol

Filme dirigido por Edouard Deluc segue o pintor Paul Gauguin em sua jornada ao Taiti,, mas traz poucas surpresas sobre o tempo do pintor na Polinésia. Texto de David D’Arcy para o portal “The Art Newspaper” editado em 13/07/2018. www.theartnewspaper.com/review/gauguin-voyage-to-tahiti-is-a-sombre-picture-of-the-artist-under-the-sun +

“Gauguin: Viagem ao Taiti”, dirigido por Edouard Deluc, segue o pintor Paul Gauguin em sua jornada ao Taiti, em uma colisão com outra cultura e consigo mesmo. O ator francês Vincent Cassel, conhecido principalmente por seus papéis de ação, interpreta o artista barbudo que pinta, sofre, bebe e brilha.

Gauguin, como visto na tela grande, parece ser um companheiro relativamente sadio de um Vincent van Gogh... Aqui ele está no centro das atenções e raramente longe da garota adolescente que se torna sua esposa e modelo.
Com sol, sexo e arte, Gauguin parece ter os ingredientes certos para o drama, ou pelo menos para o impacto visual. Mas o Taiti pode ser triste se você for Paul Gauguin. Apesar de um desempenho doloroso de Cassel, cujo rosto é uma paisagem em si, o filme sombrio e lento é pesado em angústia, mas não nos dá muito paraíso ou muita pintura.

A história é bem conhecida, inspirada no livro “Noa Noa”, relato de Gauguin sobre seu tempo no Taiti, escrito alguns anos depois. Em 1891, um entediado e falido Gauguin deixa sua esposa e cinco filhos e parte para a Polinésia Francesa. Ele conhece e pinta uma jovem e outros sujeitos indígenas. Retorna à França em 1893.

Para uma história que promete uma paisagem deslumbrante, pelo menos, Deluc a fornece com moderação. Cenas em tavernas lotadas e apartamentos apertados com Gauguin e seus cinco filhos poderiam fazer qualquer um ansiar pelos mares do sul. Aqui, no entanto, o interior acidentado do Taiti geralmente parece sombrio, como um posto avançado em um oeste empoeirado, considerando o filme que Deluc improvàvelmente citou como sua inspiração: “O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford” (2007).

Tome esse ritmo lento e adicione uma alma pensativa. No entanto, este filme tem algum talento. Depois que um febril Gauguin desmaia ao chegar a um assentamento no interior, as crianças locais roubam suas tintas e decoram seus corpos. A pintura corporal (junto com a tatuagem) era e é uma parte importante da cultura oceânica. Ver Cassel enquanto Gauguin se esforça para pegar as crianças pintadas de vermelho e recuperar seus pigmentos é uma visão inteligente das distâncias entre os colonizadores e os colonizados.

A outra distância cultural, que os críticos vão ver em primeiro plano, envolve Gauguin e mulheres locais, particularmente a jovem Tehura (interpretada por Tuheï Adams), a jovem de 13 anos que é oferecida por sua família ao pintor como esposa. Temos a certeza de que, na cultura local, as meninas adolescentes em idade fértil eram consideradas mulheres. No entanto, a disponibilidade de Tehura parece afirmar a posição de privilégio colonial de Gauguin. Mesmo se ele é um pintor sem dinheiro ou tela para pintar, ele ainda é francês. Se há um lado político na história de Gauguin como um explorador, no entanto, isso é subestimado por Deluc em favor de um gênio incompreendido neste clichê da biografia.

Depois que Gauguin ensina um jovem, Jotepha (interpretado por Pua-Tai Hikutini), a esculpir madeira e ele desenvolve essa habilidade e copia o trabalho do homem mais velho nos objetos que vende para viajantes franceses. Gauguin diz que Jotepha não está seguindo sua própria alma. O taitiano diz que os turistas querem comprá-los. Mais uma vez, um imitador empreendedor supera seu professor no mercado de arte. Jotepha, enriquecido por suas esculturas, compra ternos franceses elegantes e conversa com Tehura, e o filme se torna algo que o francês que fugiu da vida moderna não pode escapar - um triângulo amoroso, com explosões de fúria e raiva silenciosa sob a barba de Cassel.

O que seria um filme francês sem infidelidade? E o que seria um filme sobre o pintor sem a sombra de Vincent van Gogh, que está morto quando Gauguin inicia sua viagem? Como Van Gogh em St Remy, um doente Gauguin está comprometido em um triste hospital colonial. A alma inquieta acaba pintando na janela do seu quarto quando ele não consegue pegar papel. Ele é louco ou um artista determinado? Ambos, claro. Mais uma vez, Gauguin o filme nos toca.
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Texto de David D’Arcy para o portal “The Art Newspaper” editado em 13/07/2018. www.theartnewspaper.com/review/gauguin-voyage-to-tahiti-is-a-sombre-picture-of-the-artist-under-the-sun

Grupo de restauradoras revê legado feminino no Renascimento

A organização Advancing Women Artists (AWA) está à frente de encontrar mestres mulheres esquecidas, como Plautilla Nelli. Artigo de Kate Brown editado em 12/07/2018 no portal de artes Artnet (www.artnet.com). +

Às vezes, basta que alguém faça a pergunta certa. Isso é exatamente o que Jane Fortune fez em uma visita a Florença há 12 anos. Enquanto visitava os museus da cidade renascentista e igrejas cobertas de afrescos, a filantropa americana começou a se perguntar: “Onde estão as mulheres?”
Sua busca por uma resposta colocou-a em uma busca apaixonada para restaurar os legados perdidos e obras de arte de artistas femininas de Florença esquecidas, cavando arquivos de museus e depósitos empoeirados com sua organização, Advancing Women Artists (AWA).

Um exemplar trabalho renascentista que a AWA reviveu é “A Crucifixação”, que está tendo seus toques finais neste verão, antes que a pintura restaurada seja finalmente revelada no Museu San Salvi, na Itália, em outubro. É uma das muitas obras da irmã Plautilla Nelli, uma autodidata do século XVI e freira que era extremamente famosa em seu tempo, mas que a história da arte esqueceu. “E se eles não sabem de Nelli, de quantas outras pintoras não sabem?", pergunta Fortune.

Desde a sua fundação, há mais de 10 anos, a AWA restaurou cerca de 53 obras de arte. Em setembro, esse número subirá para 58. A organização sem fins lucrativos tornou-se o alvo dos curadores florentinos que querem pesquisar suas próprias coleções, que abrigam muitas obras de mulheres. A AWA inventariuou cerca de duas mil até o momento, que não são vistas há séculos. “Isso é metade da população que não está sendo ouvida”, diz a Fortune. “Eu quero dar-lhes uma voz”.

A AWA tem algumas regras básicas para os museus que os envolvem para obter ajuda: se o trabalho em questão sair do armazenamento, ele não voltará ao armazenamento. Vai para a parede. E se um trabalho precisa ser restaurado, a grande maioria dos projetos é realizada por conservadoras do sexo feminino.
Linda Falcone, diretora da AWA, explica que a maioria dos restauradores de Florença são de fato mulheres, mas nem sempre foi assim. A mudança foi causada por uma inundação devastadora ocorrida em 1966, que levou à perda ou dano de milhões de obras de arte e livros, incluindo muitas obras-primas. Um grupo de acadêmicos, estudantes de arte e outros especialistas em arte apelidados de “Anjos da Lama” reuniram-se na cidade para ajudar nos esforços de restauração, assim como as chamadas “Flood Ladies” - artistas femininas que doaram arte para substituir obras-primas perdidas.

Historiadores da arte como Kirsten Aschengreen Piacenti, que veio da Dinamarca, estavam ansiosos para ajudar. Por sua vez, eles estabeleceram uma rede de especialistas liderada por mulheres, muitas das quais ainda estão ativas hoje. Piacenti se tornou a chefe do Museu Stibbert de Florença até 2012, e ela está entre um número impressionante de curadoras que trabalham nas instituições da cidade.
“Foi a primeira vez que as mulheres começaram a usar calças em Florença”, diz Falcone. “A libertação das mulheres em Florença está profundamente ligada ao esforço de restauração de arte.”

O que antes era um campo dominado por homens é agora cerca de 90% executado por mulheres, estima a Fortune. Hoje, a cidade tem mais de 30 mulheres trabalhando como restauradoras em seus museus e muitas outras em outros papéis importantes. Os três principais cargos curatoriais da Associação de Museus Cívicos de Florença são todos mulheres.

“Na década de 1980, muitos estúdios não estatais começaram a ser comissionados e a maioria deles era e é dirigida por mulheres”, diz Rossella Lari, 63 anos, restauradora há 40 anos e que fazia parte do afluxo de especialistas pós-inundação. “Não há salário fixo. Depende da quantidade de obras que se restaura.”
No geral, a restauração continua sendo um campo mal pago no mundo da arte. E Falcone diz que, em Florença, ficou ainda mais mal pago quando se tornou dominado por mulheres. Essa é outra razão pela qual a Fortune e sua equipe insistem em apoiar a corte feminina.

“A Crucificação”, de Nelli, está em vias de ser concluída em outubro, mas está longe do maior projeto que a AWA está realizando. A maior obra-prima do artista é “A Última Ceia”, uma pintura impressionante (21 metros de comprimento e seis metros de altura), que foi concluída em 1560. É a maior pintura conhecida por uma artista mulher e está sendo restaurada antes de ser vista pela primeira vez em séculos no próximo ano.
O historiador renascentista Giorgio Vasari escreveu sobre Nelli em seu aclamado livro do século XVI, “Vidas dos Mais Excelentes Pintores, Escultores e Arquitetos”, ele disse que suas obras estavam em todas as casas de “cavalheiros” de Florença. No auge de sua carreira, a freira estava dirigindo uma oficina exclusivamente feminina e produzindo muitas obras, incluindo “A Última Ceia”.

O futuro que Nelli pode ter imaginado poderia ser resumido nas breves palavras que ela deixou ao lado de sua assinatura no verso da pintura: “Ore pela dor da dor”. Agora, parece que a cidade está finalmente alcançando-a. Nelli fez sua primeira exposição individual no Uffizi no ano passado. O prefeito de Florença, Dario Nardella, tem sido um defensor ativo dos ambiciosos esforços para restaurar seu trabalho. “Plautilla Nelli foi a pintora feminina mais importante do Renascimento Florentino”, diz ele em um comunicado. “Sua cidade vai homenageá-la exibindo este trabalho no complexo do Museu Santa Maria Novella.”

Nelli trabalhava com sujeitos masculinos de vida maior de sua vida, um empreendimento raro para as artistas femininas da Renascença. Apenas uma década atrás, ela tinha apenas três obras conhecidas em seu nome. Agora, quase duas dúzias foram atribuídas a ela e a sua oficina exclusivamente feminina. “Esta restauração provocou muitas perguntas sobre as atividades artísticas femininas na Florença do século 16”, diz Lari, que dedicou os últimos cinco anos à “Última Ceia” de Nelli. “A maneira como ela pinta, com pinceladas fortes e cores espessas, parece provar o poder de sua personalidade.” Para ajudar a levantar os fundos finais, a AWA está executando um “programa de adoção” para os apóstolos na pintura de Nelli. Agora apenas São Simão precisa de um patrocinador. A organização espera encontrar um apoiador italiano. Até agora, nenhum italiano se adiantou para financiar o projeto. O esforço custará US$ 220 mil.

Por que não houve grandes artistas mulheres? O trabalho de Falcone é guiado por uma pergunta: “Se algumas dessas obras não são obras-primas, por que elas não são obras-primas?” Existem, é claro, muitas razões: foi ilegal por muito tempo que as mulheres treinassem profissionalmente e estudassem anatomia e nudez masculina, ferramentas essenciais para artistas que esperavam ganhar comissões cobiçadas. As mulheres também não podem emitir faturas ou desfrutar de legitimidade legal. Com as probabilidades acumuladas contra elas, seu sucesso e, em alguns casos, habilidades técnicas eram limitadas.
“Quando se trata das coleções do Museu Cívico de Florença, a maioria das artes femininas é de 1900. Como na maioria dos museus, exemplos de obras de séculos anteriores são raros”, diz Silvia Colucci, curadora do Museu Santa Maria Novella, onde será instalada “A Última Ceia”, de Nelli. No entanto, a AWA argumenta que, mesmo que, em alguns casos, essas obras sejam menos magistrais, elas, no entanto, merecem espaço nas paredes de Florença. Eles não precisam ser obras-primas, embora vários deles sejam, insiste Falcone. Independentemente disso, eles contam a história de artistas do sexo feminino nessa época e são alegorias para o desequilíbrio de poder na vida cívica durante o Renascimento.

Ainda há um longo caminho a percorrer, e Falcone e Fortune dizem que ainda não se sabe muito sobre essas primeiras mulheres artistas. Mas fazer as perguntas certas é tão bom quanto qualquer lugar para começar. Na verdade, o problema não é apenas financiar a restauração das obras, mas também colocá-las em um espaço em uma cidade onde prosperaram tantos artistas masculinos mais conhecidos. “Essas mulheres artistas também tiveram sucesso em seu tempo. É apenas uma história que não se lembra deles”, diz Falcone. “Não se trata apenas de restaurar as obras de arte. É sobre restaurar o lugar das mulheres na história da arte”.
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Artigo de Kate Brown editado em 12/07/2018 no portal de artes Artnet (www.artnet.com).

Parque em Moscou se torna centro do sexo ao ar livre

Às vésperas de completar seu primeiro aniversário, o Parque Zaryadye, concebido pela empresa norte-americana Diller Scofidio + Renfro, se tornou um point para o sexo ao ar livre, que é proibido por lá. Texto de Kate Brown para o portal internacional de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 13/08/2018. +

À medida que o Parque Zaryadye de Moscou se aproxima do seu primeiro aniversário, em setembro de 2019, o arquiteto-chefe da capital russa, Sergei Kuznetsov, está defendendo o espaço verde projetado pela empresa Diller Scofidio + Renfro por conta de uma característica inesperada: suas propriedades afrodisíacas.
Situado a apenas alguns passos do Kremlin, o novo point russo, designado pela empresa como "urbanismo selvagem", fez jus ao seu custo e rapidamente se tornou uma espécie de foco de amor ao ar livre. "Estamos vendo um número sem precedentes de casos em que as pessoas fazem sexo aqui em Zaryadye", disse Kuznetsov à mídia russa. De fato, vários casais foram flagrados nas muitas câmeras de vigilância do parque.
Inaugurado pelo presidente russo Vladimir Putin em setembro passado, o projeto de US$ 245 milhões foi realizado pelo estúdio de Nova York que criou o High Line (Nova York) e o The Broad (Los Angeles). Diller Scofidio + Renfro também está trabalhando na expansão do Museu de Arte Moderna de Nova York.
Em 2012, Moscou organizou um concurso de arquitetura e urbanismo para criar o primeiro grande parque público da capital russa em cinco décadas. Entre 90 inscrições, o consórcio de Diller Scofidio + Renfro, Hargreaves Associates e Citymakers foi selecionado por seu conceito ambicioso. Quando o design do parque foi concluído, não foi difícil perceber porquê.
Construído em um local onde ficava um vasto hotel da era soviética de 3.000 quartos, o Zaryadye Park possui uma variedade de características marcantes: um anfiteatro com cobertura de vidro, terraços cobertos de flora, encostas verdes com vistas deslumbrantes da cidade e uma passarela que se eleva a cerca de 230 pés sobre o rio Moscou sem apoio.
"O parque deveria descrever a alma russa", disse Petr Kudryavtsev ao “New York Times” no ano passado. Ele elogiou as qualidades voyeurísticas do parque, chamando-o de "um lugar onde você pode se esconder e onde também pode ver tudo ao seu redor". Não há como argumentar pelo menos um desses pontos.
De acordo com a agência de notícias Moskva, Kuznetsov correlacionou o aumento na cópula pública com a segurança e conforto que os visitantes e moradores sentem na capital russa. Mas claro que nem todo mundo é fã de sexo em público.
O ultraconservador deputado Vitaly Milonov instou a polícia a prender qualquer “animal copulante” encontrado no parque, dizendo que “eles são apenas idiotas e devem ser tratados como tal”. Ser pego fazendo sexo em público na Rússia pode gerar até 15 dias de prisão.
Os criadores do parque, no entanto, ficaram empolgados com o resultado que o trabalho deles inspirou. “Eu amo isso!”, O famoso arquiteto Charles Renfro disse à Artnet News em um e-mail. "Que liberdade nosso parque trouxe a Moscou e que tolerância parece estar gerando nas autoridades."
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Texto de Kate Brown para o portal internacional de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 13/08/2018.

Estátua de Conor McGregor, lenda viva do UFC, evoca Michelângelo

Uma escultura do lutador de MMA Conor McGregor criada pelo artista Aspencrow evoca Michelangelo e inclui um nível impressionante de detalhes. Artigo de Zachary Small para o portal hyperallergic.com (https://hyperallergic.com/450801/ufc-conor-mcgregor-aspencrow-statue/) editado em 11/7/2018. +

“Vi um anjo no mármore e esculpi até libertá-lo", confessava Michelangelo, ao esculpir suas criações a partir de blocos de pedra. Refletindo sobre a magnificência do trabalho do mestre, o historiador renascentista de arte Giorgio Vasari poderia prever que um dia, centenas de anos depois, o lutador de MMA Conor McGregor se tornaria arte na mesma tradição?
Aspencrow (ou Edgar Askelovic) criou uma escultura maior que a vida de McGregor em silicone platinado e pó de mármore, em exibição na JD Malat Gallery, em Mayfair (Londres), de 14/7 a 30/9/18. Emergindo de um bloco em forma de casulo, a interpretação do artista lituano do campeão de MMA, intitulada “Atlas”, é heróica, mas estóica. A escultura retrata o gigante irlandês como estourando das rochas, talvez preparando-se para uma luta.
O artista também decidiu omitir uma das características mais notáveis de McGregor: suas tatuagens. Embora a escultura ainda inclua o grande “McGregor” tatuado no abdômen do lutador, o resto de sua tinta se tornou grafite nas costas do lutador de MMA. “As pessoas de nossa geração cresceram com grafite e vandalismo”, disse o artista em um comunicado de imprensa, “Então eu exibi parte de suas tatuagens nas costas em grafite”.
Apesar de suas tatuagens estarem faltando em seu corpo, McGregor ainda tem a maior parte de seu cabelo. Aspencrow é especializada em detalhar suas esculturas com características realistas. Aqui, ele incluiu meticulosamente barba, bigode e folículos nas sobrancelhas individuais. (Segundo relatos, os folículos são feitos de cabelo humano real.) Em toda a escultura de mármore falso, o artista incluiu veios vermelhos, talvez uma referência à herança irlandesa de McGregor.
“Atlas” também apresenta uma série de referências às esculturas inacabadas de escravo de Michelangelo, mais obviamente “O Escravo Atlas”. Ambas as esculturas são nomeadas em homenagem ao deus grego que disse ter carregado o mundo inteiro sobre seus ombros. Há também semelhanças com o “Despertar do Escravo” do artista da Renascença, que parece que ele está lutando para se libertar do mármore.
A estátua custa cerca de 50 mil libras (cerca de R$ 243 mil), mas Aspencrow planeja presentear a obra de arte ambiciosa para o próprio McGregor. Afinal, a peça foi criada em homenagem ao 30º aniversário de McGregor, em 14/7/2018.
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Artigo de Zachary Small para o portal hyperallergic.com (https://hyperallergic.com/450801/ufc-conor-mcgregor-aspencrow-statue/) editado em 11/7/2018.

Dom Pedro II (Rio de Janeiro, 1825 – Paris, 1891), um entusiasta da fotografia

Para comemorar o Dia Mundial da Fotografia, 19/8, um artigo sobre a relação do imperador Dom Pedro II e essa fascinante técnica de produção de imagens. Texto editado no site http://brasilianafotografica.bn.br/?p=7183 em 2/12/2016. +

Dom Pedro II foi um entusiasta da fotografia, seja como mecenas seja colecionador. Foi o primeiro brasileiro a possuir um daguerreótipo, e, provavelmente, o primeiro fotógrafo nascido no Brasil. Devido ao seu interesse no assunto, implantou e ajudou decisivamente o desenvolvimento da fotografia no país. Sua filha, a princesa Isabel (1846-1921), foi, inclusive, aluna do fotógrafo alemão Revert Henrique Klumb (c. 1826- c. 1886). Ao ser banido do país, em 1889, pelos republicanos, Pedro II doou à Biblioteca Nacional a coleção de cerca de 25 mil fotografias, que então denominou, juntamente com a coleção de livros, de Coleção Dona Theresa Christina Maria. Segundo Pedro Vasquez, essa coleção é, até hoje, “o mais diversificado e precioso acervo dos primórdios da fotografia brasileira jamais reunido por um particular, e tampouco por uma instituição pública”.
A velocidade com que a notícia do invento do daguerreótipo chegou ao Brasil é curiosa: em 7 de janeiro de 1839, na Academia de Ciências da França, foi anunciada a descoberta da daguerreotipia, um processo fotográfico desenvolvido por Joseph Nicèphore Niépce (1765-1833) e Louis Jacques Mandé Daguerre (1787-1851); cerca de 4 meses depois, foi publicado no Jornal do Commercio, de 1º de maio de 1839, sob o título “Miscellanea”, na segunda coluna, um artigo sobre o assunto – apenas 10 dias após de ter sido assunto de uma carta do inventor norte-americano Samuel F. B. Morse (1791 – 1872), escrita em Paris em 9 de março de 1839 para o editor do New York Observer, que a publicou em 20 de abril de 1839.
O interesse de dom Pedro II pela fotografia teve quase a mesma idade do próprio daguerreótipo: menos de um ano após o anúncio oficial da invenção, feito por François Arago, em 19 de agosto de 1839, na França, ele, aos 14 anos, adquiriu o equipamento, em março de 1840, mesmo ano em que o abade francês Louis Comte (1798 – 1868) apresentou-lhe o invento, no Rio de Janeiro (Jornal do Commercio, de 17 de janeiro de 1840, na primeira coluna; e de 20 de janeiro de 1840, na terceira coluna).
Por sediar o Império, o Rio de Janeiro foi a capital da fotografia no Brasil. O imperador foi retratado por diversos fotógrafos, dentre eles Marc Ferrez (1843-1923) e Joaquim Insley Pacheco (c. 1830 – 1912), tendo conhecido praticamente o trabalho de todos eles. A fotografia passou a ser o instrumento de divulgação da imagem de dom Pedro II, “moderna como queria que fosse o reino”, segundo comenta Lilia Moritz Schwarcz no livro As barbas do Imperador: D. Pedro II, um monarca nos trópicos, e tornou-se também mais um símbolo de civilização e status.
Foi um dos primeiros monarcas a oferecer seu real patrocínio a um fotógrafo, juntamente com a rainha Victoria da Inglaterra (1819 – 1901), quando, em 1851, permitiu que Buvelot & Prat, que haviam realizado uma série de daguerreótipos de Petrópolis – todos desaparecidos – usassem as armas imperiais na fachada de seu estabelecimento fotográfico.
Dom Pedro II governou o Brasil de 23 de julho de 1840 a 15 de novembro de 1889 e, segundo José Murilo de Carvalho, o fez “com os valores de um republicano, com a minúcia de um burocrata e com a paixão de um patriota. Foi respeitado por quase todos, não foi amado por quase ninguém”. Em seus quase 50 anos de governo – só superados pelas rainhas Vitória (1819 – 1901) e Elizabeth II (1926 -), ambas da Inglaterra – o tráfico e a escravidão foram abolidos, a unidade do Brasil foi consolidada, as principais capitais brasileiras se modernizaram, a ciência e a cultura se desenvolveram. Sinais, sobretudo estes últimos, de um reinado que, não obstante o conservadorismo escravista dominante, perseguiu sempre uma pauta liberal, humanista e civilizatória.
Em seu diário de 1862, Pedro II declarou: “Nasci para consagrar-me às letras e às ciências, e, a ocupar posição política, preferia a de presidente da República ou ministro a imperador”. De fato, no século XIX, muito do que se fez no Brasil nos campos das letras e das ciências deveu-se a ele, um dos monarcas mais eruditos de sua época.

Abaixo, lista dos Fotógrafos Imperiais, na ordem cronológica em que foram agraciados com este título, segundo Guilherme Auler, sob o pseudônimo de Ricardo Martim, em dois artigos publicados na “Tribuna de Petrópolis”, em 1º e 8 de abril de 1956, segundo o livro “O Brasil na Fotografia Oitocentista”, de Pedro Vasquez:

Buvelot & Prat, título concedido em 8 de março de 1851 (província do Rio de Janeiro)
Joaquim Insley Pacheco, título concedido em 22 de dezembro de 1855 (província do Rio de Janeiro)
João Ferreira Villela, título concedido em 18 de setembro de 1860 (província de Pernambuco)
Revert Henrique Klumb, título concedido em 24 de agosto de 1861 (província do Rio de Janeiro)
Stahl & Wahnschaffe, título concedido em 21 de abril de 1862 (província do Rio de Janeiro)
Diogo Luiz Cipriano, título concedido em 20 de setembro de 1864 (província do Rio de Janeiro)
Antonio da Silva Lopes Cardoso, título concedido em 30 de novembro de 1864 (província da Bahia)
Tomas King, título concedido em 18 de maio de 1866 (província do Rio Grande do Sul)
José Ferreira Guimarães, título concedido em 13 de setembro de 1866 (província do Rio de Janeiro)
Fernando Starke, título concedido em 14 de dezembro de 1866 (província de São Paulo)
José Tomás Sabino, título concedido em 13 de agosto de 1873 (província do Pará)
Henschel & Benque, título concedido em 7 de dezembro de 1874 (província do Rio de Janeiro)
Antonio Henrique da Silva Heitor, título concedido em 2 de março de 1885 (província do Rio de Janeiro)
Juan Gutierrez de Padilla, título concedido em 3 de agosto de 1889 (província do Rio de Janeiro)
Ignácio Mendo, título concedido em 6 de agosto de 1889 (província da Bahia)

Apesar de não estarem na lista de Auler, os fotógrafos Mangeon & Van Nyvel, radicados no Rio de Janeiro, e Luiz Terragno, do Rio Grande do Sul, também anunciavam esse título e as armas imperiais no verso de suas fotografias. Já Marc Ferrez foi o único com a distinção de Fotógrafo da Marinha Imperial. Seis fotógrafos estrangeiros também foram agraciados com o título de Fotógrafos Imperiais: o francês Alphonse Liebert, o português Joaquim Coelho da Rocha, o austríaco Guilherme Perimutter, os tchecos Franz Piedrich e Charles Molock; e o italiano Francesco Pesce.
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Texto editado no site http://brasilianafotografica.bn.br/?p=7183 em 2/12/2016.

Bélgica responde à censura de Peter Paul Rubens com sátira ao Facebook

Conselho de Turismo Belga divulgou vídeo em que satiriza a censura imposta pelo Facebook a um dos tesouros nacionais do pais: as pinturas de Peter Paul Rubens. Artigo de Kate Brown para o portal internacional de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 24/7/2018. +

Em um novo vídeo no canal YouTube, o Conselho de Turismo da Bélgica satiriza a rede social Facebook pela incessante censura a um de seus tesouros nacionais: o pintor flamengo barroco Peter Paul Rubens. Um anúncio com a célebre pintura de Rubens, “Descida da Cruz”, que retrata Jesus Cristo em uma tanga, está entre os que o Facebook censurou recentemente. No vídeo satírico, a segurança com a marca do Facebook - chamada “FBI” - direciona multidões na Casa Rubens, em Antuérpia, para longe de pinturas que retratam figuras nuas. “Precisamos que vocês se afastem da nudez, mesmo que seja de natureza artística”, diz um deles. De acordo com a política do Facebook, anúncios com conteúdo de orientação sexual, incluindo nus artísticos ou educacionais, são proibidos na plataforma de compartilhamento. Isso aparentemente exclui estátuas, embora eles tentem censurar a estatueta pré-histórica da Vênus de Willendorf no início deste ano, depois que ela foi postada na conta do Kunsthistoriches Musem em Viena no Facebook.
Em março, um tribunal francês determinou que o Facebook não poderia censurar a pintura “Origem do Mundo”, de Gustave Courbet, depois que sua imagem foi removida do site. Houve também um clamor quando o Facebook forçou a remoção de “Liberdade Guiando o Povo” (1830), de Eugéne Delacroix. O Facebook depois se desculpou. O vídeo belga, bem como uma carta aberta do conselho de turismo e um grupo de museus belgas, pede ao Facebook para reverter seus padrões de censura para que eles possam promover Rubens. “Seios, nádegas e querubins de Peter Paul Rubens são considerados indecentes. Não por nós, mas por você”, diz a carta, dirigida ao CEO do Facebook, Mark Zuckerberg.
“Mesmo que secretamente tenhamos que rir disso, sua censura cultural está tornando a vida bastante difícil para nós.” O escândalo da mídia social vem na esteira de questões de censura da gigante da mídia, que está lutando para manter seus usuários mais jovens a bordo. O jornal inglês “The Guardian” informou que o Facebook planeja conversar com o conselho de turismo belga.
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Veja o vídeo no no link https://www.youtube.com/watch?v=UZq3cVgU5AI
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Artigo de Kate Brown para o portal internacional de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 24/7/2018.

Igor Vidor sobrepõe e confunde extremos cariocas

Em “Heróis Apenas Celebram Vilões. Heróis Nunca Celebram Vilões”, mostra que se encerra nesta quarta (15/8) na Galeria Leme, ele introduz no título um pensamento similar de confrontar realidades paralelas. As frases afirmativa e negativa podem ter o mesmo significado em uma cidade que não se abala com suas contradições. Artigo de Nathalia Lavigne editado no jornal "Folha de S. Paulo" em 15/08/2018. +

A cidade onde os extremos estão sempre tão próximos, onde a euforia a qualquer momento pode desandar em pesadelo, tem sido o motor da produção de Igor Vidor, paulistano radicado no morro do Vidigal desde 2016, no Rio.
Em “Heróis Apenas Celebram Vilões. Heróis Nunca Celebram Vilões”, mostra que se encerra nesta quarta (15) na Galeria Leme, ele introduz no título um pensamento similar de confrontar realidades paralelas. As frases afirmativa e negativa podem ter o mesmo significado em uma cidade que não se abala com suas contradições.
Com foco na relação entre a violência, tráfico e armas, a exposição acerta ao tratar de um tema tão presente sem ser ilustrativa ou superficial. O fato de Igor viver no, ao mesmo tempo que abre espaço para ele chegar perto da realidade.
Nesse sentido, o artista se sai melhor quando apresenta a questão por meio de imagens mais simbólicas —como nas cápsulas de bala pairando do teto em formato espiral em um mensageiro dos ventos. Junto com os lápis vermelhos pelo chão, estampados com as frases do título, as duas obras fazem lembrar os instantes seguintes aos disparos, quando a violência se torna sutil e silenciosa.
Diferente da ruidosa instalação ao fundo —uma enorme corrente dourada com uma arma de brinquedo modelo Airsoft como pingente, pensada para o Cristo Redentor em escala real. Talvez por isso a estranheza em ver o trabalho no espaço da galeria —comparado aos demais, parece uma imagem um tanto literal.
Mas o ponto alto da mostra está na série em que Igor cria pipas partindo de fotos de conflitos veiculadas em jornais. Nos morros cariocas, esses objetos já foram usados como instrumento de comunicação entre traficantes.
Entre os vestígios de imagens ocultadas por padrões geométricos, o trabalho com as pipas é o que melhor articula as diversas camadas de um contexto onde heróis e vilões, ao contrário da brincadeira de polícia e ladrão, sobrepõem-se a todo momento.
Vidor ganhou certa visibilidade no período anterior aos Jogos Olímpicos. “Rio Olympics” (2016), por exemplo, é um vídeo em que aparece fazendo levantamento de peso nas ruínas da Vila Autódromo, onde houve tensão durante as remoções de moradores.
A artificialidade daquela ação, apartada do que acontece em volta, apresentava um pouco do deslocamento —que hoje parece óbvio— entre as expectativas com os jogos e a falência subsequente do Estado.
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Igor Vidor
Quando Até 15/8. Ter. a sex., das 10h às 19h, e sáb., das 10h às 17h
Onde Galeria Leme. av. Valdemar Ferreira, 130
Preço Grátis
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Artigo de Nathalia Lavigne editado no jornal "Folha de S. Paulo" em 15/08/2018.


Centro cultural palestino é destruído por ataques israelenses

Na quinta-feira, 9/8/18, a Fundação al-Meshal, um centro cultural em Gaza que abriga o segundo maior teatro da região, foi dizimada pelas forças militares israelenses. O centro cultural foi destruído por ataques de caças F-16. Artigo de Jasmine Weber para o portal internacional de arte huperallergic (https://hyperallergic.com/455225/al-meshal-cultural-center-gaza/). Veja link do bombardeio no link: https://www.youtube.com/watch?v=9yNVhlFr8iA. Veja mais sobre Gaza no link a seguir: https://www.youtube.com/watch?v=m0yMtQVq-nc. +

Na quinta-feira, 9/8/18, a Fundação al-Meshal, um centro cultural em Gaza que abriga o segundo maior teatro da região, foi dizimada pelas forças militares israelenses. O edifício de cinco andares abrigava uma biblioteca, um centro comunitário egípcio, escritórios para associações culturais e um teatro de artes. As Forças de Defesa de Israel (IDF) atacaram a estrutura como um suposto quartel-general do Hamas.
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Veja link do bombardeio no Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=9yNVhlFr8iA.
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Veja mais sobre Gaza no link a seguir: https://www.youtube.com/watch?v=m0yMtQVq-nc.
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Por volta das 18h30, hora local, aviões de guerra israelenses lançaram mísseis no prédio, nivelando-o ao solo. Edifícios circundantes foram confrontados com danos estruturais residuais. Dezoito civis de Gaza foram feridos no ataque e enviados para o Hospital al-Shifa por ferimentos leves. Os relatórios indicam que os moradores do bairro receberam telefonemas das forças israelenses antes do ataque, alertando-os para evacuar antes da destruição.
O Al-Meshal existia como um dos poucos centros culturais em funcionamento na Palestina. Alaa Qudaih, uma artista de 18 anos que é calorosamente mencionada em sua comunidade como “a mais jovem fotógrafa da Palestina”, expressou sua tristeza em torno da destruição do centro. Ela disse ao “Middle East Eye”: "Eu costumava visitar o centro de Al-Meshal regularmente porque estou interessada em arte e teatro, especialmente por que não há cinemas reais em Gaza."

O “Middle East Eye” informou que o centro estava se preparando para uma peça a ser lançada durante o feriado de Eid al-Adha, "Anesthesia Syringe". Edrees Taleb, funcionário da al-Meshal há mais de 8 anos, disse à publicação: “Terminamos os preparativos por volta das 15h30 e fui para casa descansar. Quando voltei por volta das 18h, o prédio tinha sumido. Estou chocado e sufocado ... Israel diz que suas forças atacaram o prédio porque parte dele foi usado pelo Hamas. Mas eu estou lá há mais de oito anos, nunca houve nada relacionado a nenhum partido político”.
Um porta-voz da IDF disse à imprensa que o ataque era "uma expressão da inteligência e capacidade operacional da IDF, que se expandirá e intensificará conforme necessário". O Hamas respondeu à demolição, dizendo que as IDF identificaram o edifício errado.

O IDF postou imagens de vídeo militares dos lançamentos de mísseis. Eles relatam: "A ação foi realizada em resposta aos foguetes lançados pelo Hamas contra Israel, um dos quais foi disparado contra a cidade de Be'er Sheva, que fica a mais de 40 quilômetros de Gaza".
O ministro da Habitação de Israel, Yoav Gallant, assessor do gabinete de segurança de Israel, disse ontem: "Tudo o que for necessário para proteger nossos cidadãos e nossos soldados será feito, não importa qual será o preço em Gaza". A violência vem aumentando na região ao longo da semana. Na noite de quarta-feira, um ataque aéreo israelense matou três palestinos: um homem e uma mulher grávida de 9 meses e sua filha de 18 meses. A mãe foi enterrada com o filho e o marido foi enviado ao hospital com ferimentos do mesmo ataque. Houve uma série de incursões e atentados em toda a Faixa de Gaza nas últimas 48 horas, incluindo o que os relatórios sugerem ser um bombardeamento de uma mesquita e infra-estrutura de água pelo IDF.
O embaixador de Israel nas Nações Unidas diz que mais de 180 foguetes e morteiros foram lançados em direção a território israelense de Gaza durante esse período. Líderes do Hamas disseram na quinta-feira que uma trégua foi alcançada com Israel para concluir o recente frenesi de violência, apesar de uma autoridade israelense negar as alegações. Os relatórios dizem que o acordo foi facilitado com o apoio da inteligência do governo egípcio e do enviado do Oriente Médio das Nações Unidas.
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Artigo de Jasmine Weber para o portal internacional de arte huperallergic (https://hyperallergic.com/455225/al-meshal-cultural-center-gaza/).

58ª Bienal de Veneza anuncia tema e datas

O presidente da Bienal de Veneza, Paolo Baratta, e o curador da 58ª edição, Ralph Rugoff, anunciaram o tema da próxima exposição. Intitulada “May You Live in Interesting Times” (Che tu possa vivere in tempi interessanti), a bienal responderá ao clima político atual, especificamente ao surgimento das ‘fake news’. A Bienal de Veneza acontece entre 11/5 e 24/11/2019. +

Em uma conferência de imprensa realizada no Palazzo Giustinian, em Veneza, o presidente da Bienal de Veneza, Paolo Baratta, e o curador da 58ª edição, Ralph Rugoff, anunciaram o tema da próxima exposição. Intitulada “May You Live in Interesting Times” (Che tu possa vivere in tempi interessanti), a bienal responderá ao clima político atual, especificamente ao surgimento das ‘fake news’. A Bienal de Veneza acontece entre 11/5 e 24/11/2019.

Explicando sua visão, Rugoff disse: “No momento em que a disseminação digital de notícias falsas e ‘fatos alternativos’ está corroendo o discurso político e a confiança da qual depende, vale a pena parar sempre que possível para reavaliar nossos termos de referência. A 58ª bienal não terá um tema em si, mas destacará uma abordagem geral para tornar a arte e uma visão da função social da arte, abrangendo tanto o prazer quanto o pensamento crítico”. disse.
O título da exposição refere-se a um discurso realizado pelo deputado britânico Austen Chamberlain na década de 1930, em que ele se referiu erroneamente a uma antiga maldição chinesa: “May you live in interesting times”, disse Chamberlain. “Não há dúvida de que a maldição caiu sobre nós. Passamos de uma crise para outra”.
Apesar de não ser verdadeira – não havia maldição chinesa como a que Chamberlain achava que estava citando – suas palavras foram reiteradas por políticos ocidentais por mais de cem anos. De acordo com Rugoff, eles são agora “uma relíquia cultural substituta, outro ‘orientalismo’ ocidental, e mesmo assim, apesar de todo o seu status ficcional, teve efeitos retóricos reais em significativas trocas públicas”.
Segundo ele, a exposição terá como objetivo ressaltar a ideia de que o significado das obras de arte não está embutido em seus objetos, mas nas conversas – primeiro entre artista e obra de arte e depois entre obra de arte e público e depois entre diferentes públicos. E que o mais importante em uma exposição não é o que ela exibe, mas sim como o público pode usar sua experiência depois, para confrontar as realidades cotidianas com pontos de vista expandidos e novas energias.

Martin Puryear vai representar EUA na próxima Bienal de Veneza

Na manhã de segunda-feira, o crítico de arte Jerry Saltz, da revista “New York”, foi o primeiro a divulgar publicamente o nome de Puryear, escrevendo no Twitter: “Eu aproveito as folhas de chá para o próximo Pavilhão Americano na próxima Bienal de Veneza da primavera: o escultor americano Martin Puryear representam os EUA. Uma flor abundante”. +

O artista plástico Martin Puryear (Washington, 1941) foi escolhido para representar os EUA na Bienal de Veneza em 2019, disse uma fonte confiável à “ARTnews”. A Matthew Marks Gallery, que representa Puryear, não respondeu a um pedido de comentário no sábado à noite.
Pedida para comentar, um porta-voz do Departamento de Estado dos EUA, que colabora no processo de seleção para o pavilhão dos EUA em Veneza com a National Endowment for the Arts, disse em um e-mail que "a concessão ainda está em andamento e esperamos ser capaz de anunciar a organização beneficiária e o artista em destaque em breve. Até a concessão ser finalizada, nenhuma seleção de artista poderá ser feita”.
Na manhã de segunda-feira, o crítico de arte Jerry Saltz, da revista “New York”, foi o primeiro a divulgar publicamente o nome de Puryear, escrevendo no Twitter: “Eu aproveito as folhas de chá para o próximo Pavilhão Americano na próxima Bienal de Veneza da primavera: o escultor americano Martin Puryear representam os EUA. Uma flor abundante”.
Nos últimos meses, a questão de qual artista representaria os EUA na Bienal se tornou um tema quente, já que muitas seleções do passado foram reveladas no inverno ou na primavera do ano entre as Bienais, mas nenhum anúncio foi feito até agora.
Puryear, que tem 77 anos, ganhou fama por seu trabalho primorosamente trabalhado em madeira, que toca sutilmente em vários aspectos da história americana e mundial. Seu trabalho apareceu nas Whitney Biennials de 1979, 1981 e 1989, ano em que foi agraciado com a MacArthur Foundation Fellowship.
Em 2007/2008, a Puryear foi tema de uma retrospectiva no Museu de Arte Moderna de Nova York, e teve inúmeras outras exibições e pesquisas em museus, no Smithsonian American Art Museum em Washington, DC, no Art Institute of Chicago, e em outros lugares. Em 2016, apresentou uma escultura em grande escala chamada “Big Bling” no Madison Square Park, em Nova York, que mostrou mais tarde na Filadélfia.
A Bienal de Veneza está marcada para o próximo ano, de 11/5 a 24/11/2019. O curador inglês Ralph Rugoff, diretor da Hayward Gallery de Londres desde 2006, será o curador da 58ª Bienal de Veneza.

"Queermuseu", agora sem censura

Após 11 meses de tormenta, a exposição “Queermuseu“vai atracar num porto seguro neste sábado. Em quase um ano, foram intensas as movimentações até chegar à Escola de Artes Visuais (EAV) do Parque Lage: a mostra foi cancelada antes da data prevista no Santander Cultural, em Porto Alegre, e vetada pelo poder público municipal do Rio, sob acusações de promover “pedofilia, zoofilia e blasfêmia”. Em seguida, veio a reação de artistas que resultou num financiamento coletivo recorde (mais de R$ 1 milhão). Graças a isso, a montagem foi garantida em terras cariocas. Artigo de Nelson Gobbi para o jornal "O Globo" editado em 14/8/2018. +

Após 11 meses de tormenta, a exposição “Queermuseu“vai atracar num porto seguro neste sábado. Em quase um ano, foram intensas as movimentações até chegar à Escola de Artes Visuais (EAV) do Parque Lage: a mostra foi cancelada antes da data prevista no Santander Cultural, em Porto Alegre, e vetada pelo poder público municipal do Rio, sob acusações de promover “pedofilia, zoofilia e blasfêmia”. Em seguida, veio a reação de artistas que resultou num financiamento coletivo recorde (mais de R$ 1 milhão). Graças a isso, a montagem foi garantida em terras cariocas.
Reformadas, as Cavalariças da EAV abrem suas portas para 223 obras de 84 artistas como Lygia Clark, Portinari, Volpi, Leonilson, Erika Verzutti e Marcos Chaves. Será a chance de, finalmente, o público poder ter acesso às obras e tirar as próprias conclusões a respeito de seu conteúdo.
— Muita gente vai se surpreender caso venha à exposição procurando um conteúdo apontado como polêmico, que na verdade não existe —aposta o curador da “Queermuseu”, Gaudêncio Fidélis, que não acredita em situações como as ocorridas no Sul, como enfrentamentos de grupos contra e a favor à manutenção da mostra. — Na época, o fato de o Santander Cultural ter cedido à pressão mostrou que seria possível cinco ou seis pessoas fecharem uma exposição. Depois ficou clara a campanha difamatória que estava por trás disso. Uma parte significativa da sociedade não compactua com essas ações obscurantistas.
Alguns dos trabalhos que circularam pelas redes como apologia à “pedofilia” ou à “blasfêmia”, a exemplo de “Cruzando Jesus Cristo com Deusa Shiva” (1996), do gaúcho Fernando Baril; “Cena de interior II” (1994), da carioca Adriana Varejão; ou “Travesti da lambada e deusa das águas” (2013), da cearense Bia Leite, estarão presentes na mostra da EAV.
“VIRAR A PÁGINA”
A exposição, que terá classificação indicativa de 14 anos (menores poderão ir acompanhados dos pais), contará com avisos sobre o conteúdo de algumas obras, “que poderão ofender os valores morais de alguns”.
— Ao ver a tela de perto e não por meio de um vídeo que circula na internet, as pessoas vão entender que a obra não tem nada de blasfema. Aquela representação, que não é religiosa, mostra quantas coisas nos são oferecidas, por isso Jesus aparece com os braços da deusa Shiva —observa Fernando Baril, que está em cartaz com uma retrospectiva no Museu de Arte do Rio Grande do Sul (Margs) até 4 de setembro. — É incrível como uma pintura com mais de 20 anos, exibida em várias instituições, tenha sido tratada como algo feito para chocar. Espero que agora a gente vire essa página.
Por todo o retrospecto da coletiva, a segurança das obras e do público ganhou relevância no processo de trazer a mostra ao Rio. Entre as ações realizadas neste sentido, estão a instalação de 27 câmeras e a contratação de agentes extras, com atuação 24 horas por dia, complementando a equipe já existente no Parque Lage. Um investimento de R$ 65 mil, proveniente da campanha de crowdfunding.
— Além da reforma das Cavalariças, a instalação das câmeras é outro legado que ficará para a escola — ressalta Fabio Szwarcwald, diretor-presidente do Parque Lage. — Temos feito várias reuniões com a equipe de segurança e com o educativo, para receber bem o público e tirar qualquer dúvida que possa surgir.
Além da ação junto ao público, o educativo terá uma programação de 12 dias de debates, com temas que se conectam às obras da mostra e dos desdobramentos provocados por seu cancelamento (leia mais na página 2). Responsável pela organização do programa, o curador da EAV, Ulisses Carrilho, destaca que a atuação da escola vai transcender o discurso, com a contratação de 28 pessoas transexuais, travestis, gays, lésbicas, entre outras identidades, para realizar a mediação entre espectadores e obras.
— Geralmente, mostras em museus têm um espaço reservado ao educativo. Aqui é o contrário, somos uma escola que vai abrigar uma exposição. Temos compromisso de ir além de nossos muros, de propor algo que tenha reflexo na sociedade — frisa Carrilho. — Queremos que grupos tradicionalmente excluídos possam trazer conhecimento por sua experiência. A proposta é horizontal, de criação de uma “indisciplinaridade”, para aprender juntos.
Em paralelo à mostra que será inaugurada sábado, a EAV promove o Fórum Queer- museu, programa de debates organizado por Ulisses Carri- lho, curador da escola.
— O ciclo de debates entra de forma complementar à proposta da exposição, muitas vezes abarcando temas que não são tratados diretamente pelas obras — diz ele, esclarecendo que os encontros têm como objetivo abordar o que a mostra representou neste quase um ano de cancelamento. — Essa discussão se faz também através dos convidados, como, por exemplo, a Giowana Cambrone, na mesa “Direitos e desejos”. É uma pessoa trans, mas também advogada atuante. Nos recusamos a olhar as pessoas LGBT e outras denominações como objeto de pesquisa, e, sim, como agentes criadores, plenos de potência.
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Artigo de Nelson Gobbi para o jornal "O Globo" editado em 14/8/2018.

AIDS não é história

Membros da ONG ACT UP protestam contra Whitney Museum por historicizar produção de David Wojnarowicz em mostra retrospectiva, alegando que o museu ignora uma crise em curso. Cerca de uma dúzia de membros da organização ativista da AIDS invadiu o museu de Nova York. Artigo de Sarah Cascone para o portal internacional de artes plásticas Artnet (www.artnet.com) editado em 30/7/2018. +

Os manifestantes da ONG ACT UP realizaram um protesto contra a aclamada exposição retrospectiva de David Wojnarowicz, em cartaz no Whitney Museum, na noite de sexta-feira, acusando a mostra de historicizar a ainda contínua epidemia de Aids.
Cerca de uma dúzia de membros do comitê da ACT UP em Nova York estiveram presentes para o protesto, caracterizado por segurarem notícias recentes sobre HIV e AIDS como “textos de parede” ao lado dos trabalhos em exibição.
Wojnarowicz foi membro da ACT UP até sua morte aos 37 anos em 1992. Como um ativista sincero da AIDS, ele freqüentemente usava seu trabalho para destacar as injustiças sociais enfrentadas por pessoas infectadas com o HIV.
“AIDS não é história. A crise da AIDS não morreu com David Wojnarowicz ”, diz uma declaração exibida pelos manifestantes no museu. “Estamos aqui esta noite para homenagear a arte e o ativismo de David, conectando-os explicitamente aos dias atuais. Quando falamos sobre o HIV/AIDS sem reconhecer que ainda existe uma epidemia, inclusive nos EUA, a a crise segue em silêncio e as pessoas continuam morrendo ”.
"Concordamos com a ACT UP que a crise da AIDS não acabou", disse um representante da Whitney à Artnet News por e-mail. “Como um museu dedicado à arte dos EUA, insistimos em garantir que a história em curso da crise da AIDS figure centralmente na história americana. Este trabalho histórico não fica apenas no passado; a esperança é que ela informe a ação presente e futura ”.
“O trabalho de David Wojnarowicz, como lê um dos textos de parede da exposição, “se preocupa com os mecanismos, a política e as manipulações de poder que tornam algumas vidas visíveis e outras não. A vontade de tornar os corpos presentes, a compulsão de abrir espaço para representações queer não vistas comumente através da linguagem e da imagem, está incluida em todo o seu trabalho ”, disse o representante. "Seguindo o exemplo de Wojnarowicz, este também é o trabalho que o museu tenta fazer".
Alan Timothy Lunceford-Stevens, um sobrevivente a longo prazo do HIV que conhecia pessoalmente Wojnarowicz, foi um dos manifestantes no museu. No auge da crise da AIDS, no final dos anos 80 e início dos anos 90, “tínhamos pessoas morrendo a cada semana. Tínhamos 700, 800 membros na ACT UP New York - as pessoas estavam lutando por suas vidas ”, lembrou ele. “Robert Mapplethorpe era um amigo meu. Keith Haring era um amigo meu”.
A queixa da ACT UP com a exposição começa com o título "David Wojnarowicz: A História me Mantém Acordado Durante a Noite".
"Estamos em 2018 e a Aids ainda está matando pessoas", disse Lunceford-Stevens, que é membro da ACT UP desde 1987, ano em que foi fundada. “Um membro da ACT UP protestou por uma mulher transexual que estava na cadeia ICE no Texas. Eles não deram a ela [AIDS] remédios e ela morreu. Isso é assassinato!

Colocando combustível ao fogo dos manifestantes, a Administração Trump fechou dois órgãos federais criados para enfrentar a crise da Aids. Todos os 10 funcionários do Conselho Consultivo Presidencial sobre HIV/AIDS foram demitidos em dezembro, e não houve substitutos nomeados. Da mesma forma, o Gabinete de Política Nacional de AIDS, fundado em 1993 como parte do Conselho de Política Interna, foi fechado após a posse de Trump.
Junto com outros manifestantes, Lunceford-Stevens passou três ou quatro horas no Whitney Museum na sexta-feira, em frente a uma das obras de Wojnarowicz e segurando um artigo impresso do Washington Post sobre o término da equipe do conselho consultivo.
"Trump não tem ninguém que o informe sobre o tratamento dos procedimentos de política de Aids, nem o deseja", disse Lunceford-Stevens. “Você pode olhar para presidentes republicanos e presidentes democratas. Você verá que Trump não está seguindo o molde de ninguém. Ele é um trator e é assim que ele está acabando com pessoas que são marginalizadas, pessoas que não são brancas e ricas, ou o que você quiser chamar de 1%”.
A ACT UP vai redigir uma carta aberta ao Whitney sobre a exposição e como ela poderia educar melhor seus visitantes sobre a AIDS. "Eu acho que poderíamos fornecer informações sobre a situação atual e o que estamos trabalhando para exibir no museu", disse Lunceford-Stevens.
Por sua vez, o Whitney está “aberto a ouvir as preocupações dos manifestantes”, segundo o representante do museu. A instituição está “estudando ativamente” maneiras de adicionar novo texto de parede à exposição que destaca o ativismo de arte atual e relevante ligado à crise da AIDS e que “agradece a ACT UP pelo trabalho que fazem - e fizeram - para colocar o HIV e AIDS na linha de frente do nosso pensamento político e cultural ”, disse o representante do museu.
A ACT UP também espera encorajar o museu a doar uma parte dos lucros da venda de ingressos, catálogos de exposições e mercadorias relacionadas a Wojnarowicz para organizações sem fins lucrativos relacionadas à AIDS. “Como uma organização sem fins lucrativos com uma missão artística e educacional, nosso principal objetivo não é receita. A missão é mostrar os artistas mais importantes, atraentes e desafiadores do nosso tempo”, observou o representante do museu.
"O Museu Whitney está empenhado em exibir o trabalho de artistas que, como Wojnarowicz, abrem espaço para representações queer." Para ACT UP, essas representações são importantes, mas não são suficientes. “O perigo é quando você olha agora para os jovens, eles acham que a AIDS acabou. Eles não acham que alguém está vivendo com o HIV. Eles vão ao museu e vêem isso como arte. Eles não vêem a AIDS como um problema urgente”, disse Lunceford-Stevens. “Pode ser que tenhamos David Wojnarowiczes hoje e que estejam morrendo. Queremos proteger as pessoas do HIV e queremos cuidar das pessoas que têm o HIV”.
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"David Wojnarowicz: A História me Mantém Acordado Durante a Noite" está em exposição no Whitney Museum até 30/09/2018..
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Artigo de Sarah Cascone para o portal internacional de artes plásticas Artnet (www.artnet.com) editado em 30/7/2018.

Tudo o que sabemos sobre o e-commerce das galerias está errado?

Como David Zwirner e as novas iniciativas da Gagosian quebraram as regras com novas salas de visualização on-line. As mega-galerias estão desafiando ideias sobre o que pode (e o que não pode) vender on-line em um mercado de arte em constante mudança. Artigo de Tim Schneider para o portal de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 9/7/18. +

Galerias têm oferecido obras online desde pelo menos os primeiros dias dos smartphones. Mas, naquela época, os JPGs enviados por e-mail e as listas de verificação em PDF costumavam ser usados para estimular o apetite dos clientes por trabalhos que ainda precisavam ver pessoalmente antes de adquiri-los.
Mesmo quando muitas, talvez a maioria das galerias de primeira linha, foram pegas pela febre do e-commerce, as desvantagens do hardware e do software desafiavam o caminho para o progresso.
A VIP Art Fair, a primeira feira do setor inteiramente on-line, fez o tipo errado de história graças a falhas em sua estreia em 2011, e outra onda de vendas sem brilho no ano seguinte. David Zwirner chegou a chamar a feira de 2012 de “perda de tempo”. Seis anos depois, no entanto, o jogo mudou muito, tanto offline como online.
Um tanto ironicamente, considerando seu descontentamento com a VIP, David Zwirner estimou em um perfil no “Wall Street Journal” em janeiro deste ano que 30% de seus clientes agora compram o trabalho “exclusivamente com base em imagens enviadas por e-mail”. No entanto, ainda está em debate se o aumento da participação remota se qualifica como um saldo positivo ou negativo para o setor.
À medida que nossos telefones cada vez mais intermediam nossa relação com a cultura e, à medida que as feiras de arte abastecem cada vez mais as vendas anuais de muitos revendedores, as galerias de todo o mundo começaram a lamentar uma recessão em seus espaços permanentes.
Esse desenvolvimento levou até mesmo os principais vendedores a reconsiderar suas estratégias digitais, de sites a mídias sociais etc. Embora um grupo seleto de galerias tenha feito aberturas em direção a vendas on-line diretas ao consumidor anos atrás, foi apenas recentemente que dois dos maiores vendedores realmente se inclinaram: uma atitude sensata, já que as galerias que mais vendem têm mais recursos para vexperimentar e vender, bem como podem perder se os tubos de ensaio explodirem. Agora Zwirner e Gagosian estão fazendo grandes mudanças na reformulação das vendas digitais com suas próprias salas de visualização online. E suas respectivas abordagens ao e-commerce hoje destacam características importantes de um setor em constante mudança, além de oferecer algumas pistas sobre a direção que ele deve seguir.


Vantagem do primeiro arranque do motor
A Zwirner lançou sua sala de visualização on-line em janeiro de 2017. O objetivo do formato é “organizar pequenas exposições para atrair o público que está extremamente à vontade interagindo conosco on-line”, disse David Zwirner à “Artnet News”. Nos 18 meses desde a estreia, a galeria fez ciclos contínuos de novas apresentações através da “sala”, assim como faz com seus espaços de exibição física. O acesso está disponível para qualquer pessoa no site da Zwirner a qualquer momento, em troca de seu nome e endereço de e-mail. O design da sala de visualização on-line é simples, direto e deve ser familiar para quem já comprou algo on-line. Alguns parágrafos de texto falam dos trabalhos, que são apresentados por meio de miniaturas, juntamente com o status de preço e disponibilidade. No entanto, os colecionadores não podem concluir uma aquisição on-line. Eles só podem clicar em um botão "perguntar", após o qual eles serão contatados por um representante da galeria.
Até hoje, a maioria das salas de exibição on-line de Zwirner se concentrou em um único artista de galeria. A que estava ativa na época da publicação focava em gravuras de Josh Smith. Obras do mercado primário e secundário aparecem, e a galeria tem sido igualmente fluida sobre se o conteúdo da sala de exibição on-line está alinhado com suas exibições físicas.
A sala de exibição também oferece um grau raro de transparência de preço. Em vez de ter que se deslocar até a recepção de uma galeria para tentar confirmar os preços, os visitantes virtuais podem encontrá-los abertamente postados on-line. Até agora, Zwirner ofereceu obras com preços entre US$ 1 mil e US$ 500 mil. As peças da Smith ainda disponíveis on-line variam de US$ 2.500 a US $ 12 mil cada.
Zwirner diz que o principal objetivo da sala de visualização on-line é simples: atrair novos participantes. “É um público empolgante, um público jovem. E como a galeria está crescendo, eu também entendo que existem muitas pessoas interessadas no que fazemos que não podem chegar ao espaço físico, e queremos alcançá-las ”. O interesse em expandir o público também ajudou a motivar o projeto de sala de visualização on-line recentemente lançado da Gagosian. Mas esse desejo compartilhado representa um dos poucos pontos de convergência entre as duas estratégias digitais das mega-galerias
Abordagem Alternativa da Gagosian
Para Sam Orlofsky, diretor da Gagosian, ampliar a base de clientes da galeria é apenas uma motivação para aparecer on-line. Outra é criar uma oportunidade orientada a eventos para compradores, antigos e novos, e dentro de uma faixa de preço específica - em um momento em que viajar para todas as grandes feiras de arte e o leilão estiver se tornando cada vez mais invi[ável. “Nós olhamos para a facilidade com que, e a escala na qual, a Sotheby's e a Christie's continuam conseguindo novos clientes e desenvolvendo novos colecionadores, e isso é algo que gostaríamos de fazer, disse Orlofsky disse àq “Artnet News”. “E então a questão é, o que eles fazem estruturalmente que lhes permite adquirir mais colecionadores?” A resposta da galeria a essa pergunta é clara: as casas de leilão não têm “barreira para entrada”, pelo menos para compradores. “Se você quer aparecer e dar um lance, e as informações do seu cartão de crédito saírem, você pode”, disse ele. “Isso é o que não fazemos". Assim, a galeria decidiu criar uma sala de exibição on-line que correspondesse - ou excedesse - aos padrões de leilões para acesso, transparência de preços e experiência do usuário.
Dentro da plataforma de vendas digitais da Gagosian, os visitantes clicam no nome de um artista para encontrar uma imagem com zoom de uma obra disponível instalada em um espaço de galeria virtual. Detalhes básicos e informações sobre preços estão incluídos abaixo. Clicar em “Saiba mais” desenrola um ensaio dedicado em cada peça, às vezes com imagens de referência adicionais - muito semelhantes ao que você encontraria no catálogo de um grande leilão.
Embora Gagosian, como Zwirner, exijae que as partes interessadas interajam com o pessoal da galeria em vez de clicar para comprar, seu canal de comunicação on-line forneceu respostas instantâneas. Um botão de “Assistência ao vivo” na página de cada artista conectava os usuários a um vendedor ligado 24 horas por dia durante a exibição da sala. Este modelo só foi possível devido a uma distinção fundamental entre as iniciativas da Zwirner e da Gagosian: o empreendimento virtual deste último foi temporário. Ele foi aberto estritamente por um período de 10 dias durante a Art Basel, na Suíça, no mês passado.
Hora de partida
A Art Basel não foi o único evento a impulsionar a primeira sala de visualização on-line da Gagosian. A feira suíça foi apenas o culminar de uma série de atividades de vendas frenéticas que abrangeram a Frieze New York e os grandes leilões em Nova York.
“Costumava ser o que chamamos de ‘semana do leilão’ '", disse Orlofsky, “mas isso durou três semanas, se não mais. E era muito óbvio que muitas pessoas tinham que escolher aparecer por alguns dias aqui ou alguns dias lá. Eles não puderam alocar uma viagem de três semanas a Nova York para participar de todas as ofertas disponíveis”.
Havia mais na equação também. Orlofsky observa que ele e outros na Gagosian perceberam uma sensação palpável de “esgotamento” na base de compradores ultimamente. “Mais e mais pessoas pararam de aparecer em geral”, até mesmo para o principal mercado de arte. eventos, devido ao grande volume. Isso levou a galeria a suspeitar que a Art Basel 2018 poderia abrigar poucos membros preciosos aos quais eles ofereceriam certos tipos de trabalho. E, de fato, muitos comerciantes notaram uma queda abrupta no número de americanos presentes.
A criação de outro portal com uma vida útil finita permitiu que a galeria recriasse o tipo de colecionadores sob pressão. “Se pudermos encontrar um portal ou uma ferramenta mais eficiente para eles participarem voyeuristicamente durante a Art Basel”, Orlofsky se lembra de uma discussão, “poderemos ter uma chance melhor de realmente fazer negócios”.

Pré-Consciência e Narrativas Passadas
A Gagosian também escolheu cuidadosamente os trabalhos na sala de exibição, tanto para obter o máximo impacto para seu investimento quanto para testar a ortodoxia do que vende on-line. Na Art Basel, a galeria normalmente dedica seu estande a um trabalho de mercado secundário ultra-high-end que muitas vezes ultrapassa sete dígitos. On-line, no entanto, a galeria escolheu um trabalho com preço mais alto do que a maioria das pessoas esperaria ver em uma plataforma de vendas digitais, mas não tão alto que o trabalho só pudesse ser realisticamente feito se fosse enviado para a Suíça para apresentações presenciais.
Orlofsky observa que o refrão entre muitos profissionais do mercado é que o “ponto ideal” para vender on-line é de cerca de US$ 20.000.
Então ele e seus colegas da Gagosian deliberadamente fizeram uma curadoria de sua sala de visualização on-line para testar isso. O trabalho de preço mais baixo oferecido, uma pintura de Jeff Elrod, foi listado em US$ 150.000. Os outros nove trabalhos aumentaram significativamente a partir dessa linha de base.
Embora a galeria pretendesse expor os recém-chegados ao material, ele também escolheu trabalhos que tinha quase certeza de que poderia vender para clientes estabelecidos. “Para os artistas do mercado primário que temos em grande demanda, a demanda é tão grande que não precisamos levá-los a uma feira de arte para descobrir quem está interessado”, explicou Orlofsky.
Essa pré-consciência do mercado - do tipo que as galerias comerciais de elite desfrutam - faz com que as necessidades das apresentações de arte pareçam ainda mais duvidosas. Por que pagar para segurar, despachar e instalar uma peça internacionalmente, quanto mais sujeitá-la a todos os riscos que o processo implica, se você já tiver uma lista de colecionadores que provavelmente a comprará?

Retornos antecipados
Então, como fez a campanha digital da Gagosian? “Ficamos chocados, honestamente”, diz Orlofsky. “Ultrapassou nossos sonhos mais loucos”. Segundo a galeria, metade dos 10 trabalhos encontrou compradores nos 10 dias de funcionamento da sala de exibição. Junto com a Elrod, Gagosian colocou um Rudolf Stingel de US$ 225 mil, uma Katharina Grosse de US$ 230 mil, um Joe Bradley de US$ 275 mil e a joia da coroa, um Albert Oehlen de US$ 1,1 milhão.
Do ponto de vista da avaliação, então, Orlofsky acredita que o sucesso digital da galeria “mostra que as pessoas mudaram completamente o limite daquilo com que estão confortáveis [on-line”, desde que as variáveis corretas estejam em vigor. O projeto foi uma vitória retumbante em termos de exposição também. De acordo com um porta-voz da Gagosian, a sala de visualização on-line levou a 537 novos contatos de colecionador, contava com quase 25 mil usuários únicos e registrava mais de 117 mil visualizações de página.
Também validou a estratégia maior por trás da iniciativa. Embora Gagosian faça pequenos ajustes no formato, a galeria planeja apresentar apenas um punhado de salas de visualização on-line por ano - cada uma delas limitada por um período de tempo sincronizado com outro período de atividade avassaladora no mercado de arte. O próximo provável gatilho será Frieze London.

Zwirner também relata fortes resultados digitais. Cinco dos trabalhos de Josh Smith em sua sala de visualização on-line atual foram vendidos por tempo de publicação, e outras exibições virtuais tiveram um desempenho ainda melhor. Uma apresentação das impressões de Yayoi Kusama, todas na faixa de US$ 15 mil a US$ 20 mil esgotou em uma semana em novembro passado. A iniciativa também foi eficaz em atrair novos membros da audiência. De acordo com um representante da galeria, 37% de todas as consultas on-line à sala de visualização vieram de novos clientes. Os resultados dão razão a Zwirner para ser otimista. Ele diz sobre o projeto: “Quando começamos, não sabia ao certo para onde iria. Mas agora sinto que vai ser uma parte importante do que fazemos em dois anos, três anos, cinco anos, e estou realmente empolgado com isso. ”O sucesso inicial até o motivou a contratar um diretor dedicado ao projeto, que vai começar neste outono. Há também uma visão mais ampla dessas histórias de sucesso de mega-galeria - uma que se aplica a todos os setores da indústria.
“Obviamente, há muitas mudanças ocorrendo nos hábitos e padrões de compra das pessoas, e quanto mais rapidamente você conseguir identificá-las no lado comercial, mais rapidamente você poderá se adaptar a elas”, disse Orlofsky. “O objetivo é não negar nada, não ser teimoso, nunca dizer: É assim que sempre fizemos as coisas...". A flexibilidade e a mente aberta são louváveis. Quanto ao crescente conforto dos compradores ao contornar a experiência pessoal e encontrar um substituto digital? Essa é uma tendência cujas consequências o mundo da arte ainda está processando.
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Artigo de Tim Schneider para o portal de artes Artnet (www.artnet.com) editado em 9/7/18.